¿En que consistió el movimiento cinematográfico?, ¿Cuáles son sus principales características estéticas?, ¿Cuáles son las películas y los cineastas más importantes?, ¿Qué influencia ha tenido en el cine actual o contemporáneo?
El expresionismo alemán es uno de los estilos más reconocidos del cine mudo, aunque a veces es difícil de definir. El movimiento expresionista en las artes fue algo que surgió en la poesía y la pintura a principios del siglo XX, influyendo también en el teatro, la arquitectura y, por supuesto, el cine, sobre todo después de la Primera Guerra Mundial (1914 a 1918).
El expresionismo buscaba una representación subjetiva del mundo, capaz de revelar la angustia de la existencia humana a través de imágenes distorsionadas, alejadas de la realidad y que recuerdan a las pesadillas. Estos conceptos tienen su origen, en parte, en el romanticismo alemán.
Con su uso de las sombras y los contrastes, las historias que tratan temas inquietantes, así como los decorados, el maquillaje y el vestuario exagerados, el cine mudo alemán de los años veinte sentó las bases de dos grandes géneros del cine moderno: el cine de terror y el cine negro.
¿En que consistió el expresionismo alemán?
El expresionismo alemán consistió en una serie de movimientos creativos en Alemania en la Primera Guerra Mundial, que alcanzó su punto álgido en Berlín en la década de 1920. Estos hechos se inscriben en una corriente expresionista más amplia que se estaba imponiendo en la cultura europea de la época, que se caracterizaba básicamente por el rechazo a las convenciones occidentales, mostrando la realidad de forma extremadamente distorsionada para conseguir un impacto emocional.
Muy influenciados por artistas plásticos como Vincent van Gogh, Edvard Munch y El Greco, los expresionistas no se preocupaban tanto por producir composiciones estéticamente agradables como por generar reacciones profundas en el público a través de contrastes, ángulos y formas abruptas. En su esencia, el movimiento exploraba la relación entre el arte y la sociedad, abarcando numerosos campos, incluido el cine.
Al igual que la pintura expresionista, las películas de este periodo pretendían abordar las experiencias personales y subjetivas de los seres humanos. En el cine, esta característica se asocia más particularmente con decorados irreales, ángulos profundos y sombras impactantes, para intensificar la atmósfera de la película.
Para compensar la falta de grandes presupuestos, las primeras películas expresionistas utilizaban decorados poco realistas, con dibujos pintados en las paredes y el suelo para representar luces, sombras y objetos. Los relatos y las narraciones trataban generalmente de la locura, la demencia, la traición y otros temas existenciales puestos de manifiesto por las experiencias traumáticas de la Primera Guerra Mundial.
El antirrealismo extremo del Expresionismo fue efímero y se disipó al cabo de pocos años. Sin embargo, los temas del movimiento se mantuvieron, de forma algo más sutil, en las películas producidas en los años posteriores, entre las décadas de 1920 y 1930.
Esta escuela cinematográfica oscura y melancólica acabó llegando a Estados Unidos más tarde, cuando los nazis ganaron el poder y muchos cineastas alemanes se vieron obligados a emigrar a Hollywood. Estos artistas se dieron cuenta de que los estudios estadounidenses estaban dispuestos a acogerlos, y varios directores y camarógrafos alemanes encontraron allí el éxito, produciendo películas de Hollywood que impactaron en todo el cine.
Orígenes del expresionismo alemán en el cine
El cine expresionista se originó en suelo alemán en un momento histórico de relativo aislamiento del país. En 1916, el gobierno prohibió la exhibición de películas extranjeras en el país. A partir de entonces, la demanda de los cines de más películas hizo que aumentara la producción nacional, que ganó popularidad y pasó de 24 películas al año en 1914 a 130 en 1918.
Este nuevo estilo no tardó en ganarse al público de otros países. A principios de los años 20, varios cineastas ya experimentaban con la atrevida estética del cine alemán. El público europeo también empezó a apreciar este estilo, en parte debido a la disminución del sentimiento anti alemán que reinaba en Europa con el fin de la Primera Guerra Mundial. Cuando cesó la prohibición de importar películas en Alemania, el cine nacional se había convertido en una industria internacional.
El movimiento terminó después de que la moneda se estabilizara, lo que abarató la compra de películas extranjeras. Los estudios Universum Film AG (UFA) se hundieron financieramente y los productores alemanes comenzaron a comerciar con los italianos. El poderío estadounidense en la industria cinematográfica también llevó a algunos cineastas alemanes a continuar su carrera en Estados Unidos. La última película de la UFA fue El ángel azul (Der Blaue Engel), de Josef von Sternberg, en 1930, considerada una obra de arte exponente del expresionismo alemán.
Las características estéticas propuestas por los cineastas expresionistas en Alemania fueron bien aceptadas durante la República de Weimar (1919 a 1933), el periodo democrático anterior a la ocupación nazi, pero poco a poco se fueron diluyendo y mezclando con otros enfoques y estilos visuales. Esta variante del expresionismo perduró durante muchas décadas posteriores, por ejemplo, en los ángulos agudos y los juegos de sombras del cine negro.
Características estéticas del expresionismo alemán en el cine
El cine expresionista, que floreció en medio de los horrores de la guerra y de la devastación económica que asoló a Alemania a partir de entonces, buscaba expresiones viscerales de la emoción y hacía caso omiso de las reglas de composición y representación. Aunque fue un movimiento surgido del mismo clima cultural que dio lugar al nazismo, los expresionistas fueron un grupo de rebeldes que predicaban valores artísticos como la abstracción y el antagonismo a la tradición, unidos a una necesidad casi obsesiva de expresar sus sentimientos, lo que les llevó a denominarse a sí mismos como los «adolescentes apocalípticos».
Muchos críticos ven una relación directa entre el cine y la arquitectura de la época, ya que los decorados y la dirección artística de las películas solían mostrar edificios con ángulos agudos y entornos grandiosos y visualmente sobrecargados, como la Torre de Babel en Metrópolis de Fritz Lang. Fuertes elementos de monumentalismo y modernismo aparecen en las películas canónicas del expresionismo alemán, como la propia Metrópolis, en la que la arquitectura se presenta de forma masiva y a menudo opresiva.
Los pintores expresionistas alemanes que inspiraron el expresionismo en el cine rechazaron la representación naturalista de una realidad objetiva. Representaban figuras humanas, edificios y paisajes de forma distorsionada y estilizada, sin preocuparse demasiado por las convenciones de la perspectiva o la proporción, para desorientar al espectador. Este enfoque se utilizó para transmitir emociones internas y subjetivas a través de herramientas externas y objetivas.
El principal ejemplo del estilo visual expresionista es la atmósfera onírica de la película «El gabinete del doctor Caligari», reconocida como uno de los hitos del cine expresionista. Hermann Warm, el director artístico de la película, trabajó con los pintores y directores de arte Walter Reimann y Walter Röhrig para crear fantásticos decorados de pesadilla con criaturas retorcidas y paisajes de formas afiladas y líneas oblicuas. Algunos de estos dibujos fueron construidos, otros pintados directamente sobre el lienzo.
Las películas expresionistas alemanas no sólo sintetizan el contexto sociopolítico en el que fueron creadas, sino que también trabajaron sobre problemas intrínsecamente modernos de autoaceptación e identidad, expresando algo de lo que ocurría en la conciencia colectiva de la época.
El cine expresionista sigue marcado por sus decorados y actuaciones extremadamente estilizados, sus visuales muy contrastados y su montaje sencillo. La mayoría de ellas se rodaron en estudios, donde se podía utilizar una iluminación y unos ángulos de cámara deliberadamente exagerados y dramáticos para enfatizar algún aspecto concreto de los personajes: miedo, horror, dolor, etc. Algunas de las técnicas expresionistas fueron adaptadas posteriormente por los directores estadounidenses e incorporadas a muchas películas de Hollywood.
Principales películas del expresionismo alemán
El gabinete del Dr. Caligari
Entre las películas más emblemáticas del expresionismo alemán, cabe mencionar sin duda El gabinete del Dr. Caligari (Das Cabinet des Dr. Caligari), de 1920, dirigida por Robert Wiene. La película es famosa por su atmósfera desgarradora y su macabra historia, en la que el personaje de Francis intenta resolver una serie de asesinatos que sospecha que son obra de un hipnotizador, el Dr. Caligari, y de su compañero sonámbulo, Cesare.
Nosferatu
Otra película muy representativa del movimiento fue Nosferatu (1922) de F.W. Murnau. Murnau. Aunque utilizó varias localizaciones reales, algo inusual en las películas de la época, la película desarrolla la desesperación y la angustia de forma creciente y aterradora. El director convierte lo familiar en algo extraño, dando toques expresionistas a paisajes de la vida real, lo que transporta gradualmente al espectador de la realidad a la pesadilla.
Metrópolis
Metrópolis (1927), de Fritz Lang, también se considera una de las películas más famosas del expresionismo y del cine mudo en su conjunto. El largometraje mezcla elementos góticos con una estética futurista que todavía hoy inspira el género de la ciencia ficción. Su visión extremista de una sociedad impulsada por la lucha de clases, con los ricos viviendo en la cima brillante de la ciudad y los pobres abajo en las sombras.
M, El Vampiro de Düsseldorf
Otra película de Fritz Lang, conocido sobre todo por sus ideas atrevidas, esta vez se inspira en un caso real de un secuestrador de niños para establecer de nuevo un paralelismo con la realidad dentro del expresionismo. La crítica se centró en la criminalidad y las disputas por el poder dentro de la República de Weimar, pero esta inserción de la realidad no fue la única novedad: M, el vampiro de Düsseldorf es también la primera película con sonido del director.
El hombre que ríe
Pasando al otro lado del mar, El hombre que ríe fue posiblemente la película expresionista americana más importante de la época. Dirigida por el alemán Paul Leni, la película adapta la novela homónima de Victor Hugo en la que un joven es condenado a reír para siempre. La película destacó por la macabra caracterización del personaje principal con una sonrisa perennemente extraña que, unida a la fuerte estética expresionista, hace que la película esté siempre aliada con el terror aunque esté mucho más cerca de la construcción de un melodrama.
El legado del expresionismo alemán para el cine
El cine expresionista alemán de los años 20 defendía la premisa de que el cine se convierte en arte en la medida en que sus imágenes se alejan de la realidad. Esta particular interpretación acabó influyendo en algunos de los cineastas más relevantes del siglo XX. El estilo seminal del Expresionismo consiguió transponer en imágenes el sentimiento popular de un periodo turbulento de la historia europea, dando lugar a poderosas obras con una mirada reveladora de la sociedad de la época, expresando toda la desilusión, la desconfianza y el aislamiento a los que se enfrentaba el pueblo alemán.
El cine mudo alemán estaba muy por delante de lo que se producía en Hollywood en el mismo periodo. En cierto modo, el cine de todo el mundo se benefició del desarrollo de este estilo y de las nuevas técnicas, que se hicieron cada vez más visibles en la pantalla. La estética expresionista sigue siendo incorporada por los cineastas y directores de fotografía contemporáneos.
En el ámbito de las bellas artes, el ruso Wassily Kandinsky fue uno de los pintores más inspirados por el expresionismo. Lo mismo puede decirse del escritor Franz Kafka, en literatura, y del compositor austriaco Arnold Schoenberg, en música. En el cine, hubo dos géneros especialmente influenciados: el cine de terror y el cine negro.
Inspirado por el movimiento expresionista, el fundador de los estudios Universal, Carl Laemmle, se hizo famoso por producir películas de terror para el cine mudo norteamericano, como El fantasma de la ópera, en 1925. Cineastas estadounidenses de origen alemán, como Karl Freund (que fue director de fotografía de Drácula en 1931), ayudaron a definir la atmósfera de las películas de monstruos producidas por Universal en los años treinta. Con sus peculiares características de dirección de arte y fotografía, estos profesionales crearon un modelo estilístico para las generaciones futuras.
En 1924, el joven Alfred Hitchcock fue enviado a trabajar en El guardián negro (Die Prinzessin und der Geiger) como ayudante de dirección y director artístico de los estudios UFA de Berlín. El efecto inmediato de este entorno de trabajo puede verse en su diseño de decorados para este largometraje. El expresionismo alemán influyó en el director a lo largo de su carrera, al igual que el cine de Hitchcock influyó en varios otros cineastas modernos.
En su tercera película, The Lodger: A Story of the London Fog, de 1927, Hitchcock introdujo al público en atrevidas técnicas de iluminación y trucos de cámara, en contra de los deseos del estudio. Esta influencia expresionista también puede verse en la exitosa Psicosis de 1960, en la que la imagen borrosa del asesino, vista a través de una cortina de baño, recuerda a Nosferatu en la escena en la que el vampiro se muestra a través de una sombra.
En la década de 1940, directores como Fritz Lang, Billy Wilder, Otto Preminger, Orson Welles, Carol Reed y Michael Curtiz introdujeron el estilo expresionista en los dramas estadounidenses, ampliando la influencia del movimiento en el cine moderno.
El expresionismo en el cine actual
Los elementos estilísticos empleados del expresionismo son comunes hoy en día en las obras de ciencia ficción; por ejemplo, Blade Runner, de Ridley Scott, estrenada en 1982 y visiblemente influida por Metrópolis; y Sombras y niebla, de Woody Allen, de 1991, un homenaje a los cineastas expresionistas Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst y F.W. Murnau.
El estilo también puede verse en la filmografía del director Tim Burton. Batman: El regreso (Batman Returns), de 1992, suele citarse como un intento moderno de capturar la esencia del expresionismo alemán. Las formas angulosas de los edificios y el aspecto agresivo de Gotham City evocan la hostilidad y la amenaza presentes en Metrópolis. Además, El gabinete del Dr. Caligari sirvió de inspiración para el aspecto grotesco del Pingüino, interpretado por Danny DeVito.
Las influencias expresionistas de Burton son aún más evidentes en el cuento moderno Eduardo Manostijeras . El protagonista es una referencia al criado sonámbulo de Caligari. Burton provoca incomodidad con los ambientes de la película, desde el colorido suburbio hasta el castillo gótico del protagonista. A su manera, el director subvierte la pesadilla de Caligari con una narrativa sorprendentemente inspirada, presentando al forastero como héroe y a los aldeanos como villanos.
Películas expresionistas actuales
En la actualidad, el cine sigue explorando el género del expresionismo alemán, adaptándolo a las nuevas tendencias y tecnologías. Las películas expresionistas actuales han logrado capturar la esencia del movimiento artístico de principios del siglo XX, a través de su uso innovador de la luz, la sombra y la composición visual.
Una de las películas más destacadas en este sentido es «Sin City» (2005), dirigida por Robert Rodriguez y Frank Miller. Esta película se basa en la novela gráfica de Miller y se caracteriza por su estética oscura y contrastada. El uso de la iluminación expresionista y los tonos saturados crea una atmósfera única y evocadora que transporta al espectador a un mundo de violencia y corrupción.
Otra película que merece mención es «El laberinto del fauno» (2006), dirigida por Guillermo del Toro. Aunque no es una película expresionista en su totalidad, contiene elementos del género en su representación de la fantasía y el horror. El uso de la simbología, los colores intensos y las composiciones visuales evocadoras crean una experiencia cinematográfica inmersiva y emocional.
En «El gran hotel Budapest» (2014), dirigida por Wes Anderson, se aprecia una clara influencia del expresionismo alemán en la dirección artística. La película presenta escenarios y personajes exagerados, así como una paleta de colores vibrante y contrastada. Estos elementos visuales contribuyen a la atmósfera cómica y surrealista de la película.
Finalmente, «La forma del agua» (2017), dirigida por Guillermo del Toro, también se inspira en el expresionismo alemán en su representación visual de la fantasía y el romance. El uso del contraste entre la luz y la sombra, así como la paleta de colores fríos y oscuros, crea una atmósfera misteriosa y emocional que se asemeja a las películas expresionistas clásicas.