Alfred Hitchcock: Una historia de éxito
Gracias a un contrato con la Paramount, a partir del cual se convirtió también en productor de cinco películas, Hitchcock alcanzó sus mayores éxitos artísticos, coincidiendo con la «rehabilitación» de su figura por parte de la crítica francesa.
El nuevo debut fue deslumbrante: con La ventana indiscreta (1954), Hitchcock firmó una de las piedras angulares de su carrera, así como una obra maestra inmortal de la historia del cine. Sí podemos hablar de un renacimiento del director.
En los primeros minutos de la película, el autor nos hace ver dónde estamos gracias a los movimientos de la cámara, que nos introduce en un piso y luego, saliendo por la ventana, nos acompaña con un rápido plano del patio y sus viviendas. En la profundidad de campo, un trozo de una calle muy transitada.
A continuación, la cámara vuelve al rostro de un hombre inmovilizado en cuya pierna hay un nombre escrito en escayola: L.B. Jeffries, se detiene en la foto de un accidente de coche que hay en la pared y, finalmente, se posa en unas revistas de fotografía.
En apenas cuatro minutos, el espectador lo sabe todo sobre el protagonista y pronto descubrirá también que es un indomable «mirón», como le apostilla despectivamente su ama de llaves.
Además de confirmar el talento de Hitchcock como director, la película es una obra sobre el propio cine: las múltiples ventanas que se abren son otros tantos mundos posibles (la mujer soltera, la bailarina, la joven pareja, un presunto asesino, el compositor) que los espectadores observamos a través de los ojos y prismáticos del protagonista (la película está rodada casi íntegramente en subjetivo), que nos hace a todos partícipes y mirones a su vez.
La Ventana Indiscreta
La ventana indiscreta es una gran objetivación y al mismo tiempo una interpretación y una reflexión sobre el estado del cine y su máquina de producción, sobre la técnica y el lenguaje cinematográficos, así como sobre la relación con el espectador.
La ventana indiscreta contiene también uno de los besos más sofisticados y sensuales de la historia del cine: es de noche y Jeff está dormido en su silla de ruedas cuando Lisa (una maravillosa Grace Kelly) entra, mira a Jeff (Cary Grant), luego a nosotros, los espectadores, y le besa mientras los movimientos de los rostros se ralentizan muy poco por una imperceptible superposición de las imágenes.
La película captó el entusiasmo de Hitchcock de una manera muy diferente a sus otras producciones anteriores y su estado de ánimo estaba por las nubes, quizás debido en parte a su encantadora protagonista, cuyo talento, carrera e imagen pública estaba moldeando.
Con su elegancia y belleza y su leve rastro de pasión oculta, Grace Kelly era la respuesta tanto a su gusto profesional como a sus fantasías personales, hasta el punto de que pensaba (esperaba) no necesitar más actrices.
Todo el mundo comprendió que el director estaba cautivado por la encantadora Grace, y Hitchcock también quiso contratarla para su siguiente película:
Atrapa a un ladrón
La película es una comedia rodada en la Riviera francesa con Cary Grant y Grace Kelly, que contiene una delicada insinuación sexual cuando los fuegos artificiales siguen a un prolongado beso en el sofá entre ambos.
La película destaca por sus juegos de palabras y visuales (siempre sexuales) y sus dobles sentidos, y de hecho, en los años 50, «fue una de las películas que movió los límites del humor adulto».
Hitchcock supo sortear la censura y nadie lloró el escándalo, hasta el punto de que la película fue considerada tan extravagante que mereció un Oscar a la fotografía para Robert Burks.
39 Escalones
Una historia surrealista impregnada de humor negro ambientada en Vermount e iluminada por la espléndida fotografía del fiel Robert Burks.
La animada e irónica banda sonora fue escrita por Bernard Hermann , muy deseado por Hitchcock, y con quien consiguió una brillante colaboración durante los nueve años siguientes, gracias en parte a sus afinidades de carácter, así como a sus personalidades de gran talento.
En 1956, adaptó a su manera y completó una antigua película de su época inglesa,
El Hombre que sabía demasiado
En la película, famosa también por la extraordinaria secuencia de diez minutos filmada en el Royal Albert Hall de Londres, mientras Bernard Hermann dirige un concierto, la relación entre música, montaje y suspense llega a su máxima expresión cuando el batir de los platillos coincide con el disparo del asesino.
Sin embargo, el disparo es desviado por el grito desesperado de Jo (Doris Day), que hizo famosa su canción «Que será será» en esa misma película, fondo de una escena cargada de tensión.
En realidad es el músico el que «permite» que se dispare, aunque sin su conocimiento, mientras que el espectador lo sabe todo, ve la mano de la pistola a punto de disparar y es, por tanto, víctima potencial y asesino al mismo tiempo.
Durante estos años, Hitchcock renunció cada vez más al sonido y volvió a «dejar hablar a la cámara», como si quisiera confiar únicamente en el poder de las imágenes: podemos ver largas secuencias mudas, sublimadas por la música de Bernard Herrmann, desde La ventana Indiscreta hasta Los pájaros, pasando por «El hombre que sabía demasiado«,» Vértigo», «North» o «Psicosis».
Después de dirigir algunas películas y series de televisión, en octubre de ese año Hitchcock estaba listo para hacer planes para su siguiente tema cinematográfico, que quería que protagonizaran Vera Miles (a quien consideraba la suplente de su querida Grace Kelly ) y James Stewart.
Vértigo
Vértigo contiene los créditos iniciales más bellos de toda la filmografía del director londinense: fluyen sobre un rostro femenino, pasando de la boca a los ojos y transformándose luego en vértigo animado (creado por Saul Bass) en la pupila.
En este viaje surrealista al inconsciente, el psicoanálisis y el surrealismo resurgen en el sueño animado de Scottie (James Stewart); el sueño y la realidad son indistinguibles, las imágenes abstractas representan una visión distorsionada de la realidad.
Algunos momentos memorables: la mirada perdida y desconcertada de Scottie mientras se aferra al tejado, la zambullida de Madeleine (Kim Novak) en la bahía de San Francisco, la escena cargada de erotismo de Novak en bata, la larga secuencia silenciosa subrayada por un motivo «español» que acompaña a Scottie en su acecho de Madeleine empeñado en contemplar un cuadro de Carlotta Valdés, la obsesión del protagonista por «devolver» a Madeleine a la vida moldeando un doble (? ) a su imagen y semejanza.
Y luego el final, angustioso y bello, lúgubre y oscuro, inquietante y aterrador, amenazante y melancólico en las escaleras de la torre de la iglesia, donde Scottie supera su fobia al vértigo y ve caer de nuevo a «su» mujer bajo la mirada escalofriante de una monja monstruosa.
Hitchcock estaba convencido de que Kim Novak no era la mujer adecuada y, sin embargo, la película fue uno de los mayores éxitos del director, hasta el punto de que hoy en día sigue siendo una de las películas más queridas por los cinéfilos y, desde 2012, según el British Film Institute, la película ha superado a «Ciudadano Kane», de Orson Welles, para ganar el título de «Película más bella de todos los tiempos».
Psicosis
Alfred Hitchcock quedó fascinado por una pequeña novela de Robert Bloch, «Psicosis«, y quiso hacer una película con ella, pero al no encontrar a nadie dispuesto a financiar la historia decidió autoproducirse: con un presupuesto de sólo 800.000 dólares realizó, deliberadamente en blanco y negro, Psicosis (1960), que sería el mayor éxito comercial de su carrera.
La película, en su guion, es fiel a la novela. Sin embargo, Hitchcock aceptó los consejos de su guionista Joseph Stefano e hizo a los personajes más «simpáticos».
«Tras sólo 40 minutos de película, el protagonista principal muere, un gesto revolucionario en el cine clásico de Hollywood (por consejo de su esposa Alma), y el espectador pierde inmediatamente toda la confianza al no poder identificarse ya con ningún personaje.»
El psicópata, que en el libro era calvo y gordo, en la transposición cinematográfica adopta en cambio la apariencia de un joven encantador (aunque Perkins siguió preso de ese papel durante el resto de su carrera) súcubo de una madre sobreprotectora (otra constante en las películas de Hitchcock).
Con Psicosis, el director somete al público a un nuevo código de interpretación y, después de haber construido un lienzo obsesivo en su obra sobre los temas del complejo de culpa, el pecado, la sexualidad y el doble, elimina incluso la figura materna al poner en escena temas como el complejo de Edipo, que hasta ahora nadie se había atrevido a hacer en la gran pantalla.
Se puede intentar comprender esta violencia -dirigida hacia las mujeres a partir de Psicosis- con el cúmulo de resentimiento que sentía por Kim Novak y Vera Miles, que podrían haberse convertido en su mayor estrella y en cambio habían preferido la maternidad, pero quizás sobre todo por Audrey Hepburn que, al no aceptar algunas escenas del papel que le dio el director en un nuevo proyecto suyo, le mandó al paredón (ya entraremos en detalles).
Psicosis es la última de las películas con las que el director inglés se sintió completamente satisfecho, y no sólo porque fue un gran éxito de público y crítica (aunque con un año de retraso), sino sobre todo porque consiguió crear un tema infinitamente más rico e imprevisible que la novela en la que se basaba.
Un elemento significativo fue el enorme uso de espejos, desde la oficina hasta el mostrador del motel, desde la casa de la protagonista hasta el coche, desde su habitación del motel hasta la habitación de la madre del asesino, donde se hace evidente el significado del doble espejo.
Para Hitchcock, el espejo no sólo es un tema útil para sugerir una personalidad dividida, sino que también marca una necesidad de introspección: en resumen, para ver nuestro verdadero yo dividido debemos mirarnos en el espejo.
Pelicula mas famosa de alfred hitchcock
La película más famosa de Alfred Hitchcock es «Psicosis» (1960). Esta obra maestra del cine de suspense ha dejado una huella imborrable en la historia del cine. Basada en la novela de Robert Bloch, la trama gira en torno a Marion Crane, una secretaria que roba dinero y huye a un motel regentado por Norman Bates. La película es conocida por su famoso giro argumental en la ducha, que ha sido imitado y parodiado innumerables veces.
Otra de las películas más destacadas de Hitchcock es «Vértigo» (1958). Considerada por muchos críticos como su mejor obra, cuenta la historia de un detective retirado que sufre de acrofobia y es contratado para seguir a la esposa de un viejo amigo. El filme explora temas como la obsesión y el engaño, y se caracteriza por sus innovadoras técnicas cinematográficas, como el uso del zoom y los efectos visuales para representar la sensación de vértigo.
«Los pájaros» (1963) es otra de las películas icónicas de Hitchcock. En este thriller de terror, las aves se convierten en un enemigo mortal que ataca a los habitantes de una pequeña localidad costera. La película destaca por su atmósfera inquietante y su uso magistral de los efectos especiales, que logran transmitir la sensación de peligro y tensión constante.
Finalmente, «Rebeca» (1940) es otra de las obras maestras de Hitchcock. Basada en la novela de Daphne du Maurier, la película cuenta la historia de una joven ingenua que se casa con un aristócrata viudo y se muda a su mansión en Inglaterra. Sin embargo, la sombra de la fallecida esposa de Maxim de Winter, Rebeca, parece perseguir a la protagonista. «Rebeca» es una película que combina elementos del cine negro y el melodrama, y es conocida por su atmósfera opresiva y su final sorprendente.