Si estas cansado de las producciones comerciales de Hollywood, ¿qué te parece ver una película independiente? Se trata de producciones con poca o ninguna participación de los grandes estudios cinematográficos. Además, los actores y cineastas suelen ser conocidos, lo que facilita su distribución por parte de las filiales de estudios populares.
Las nueve películas independientes más recomendadas y que han tenido más éxito a lo largo de los años
Estas películas también tienen otras características que las diferencian de las grandes producciones, ya sea por su contenido o por los documentales, o por el estilo del cineasta. Incluso, algunas son muy conocidas y cuentan con tramas y actuaciones fantásticas. En este post, hay 9 producciones independientes para que las conozcas y te inspires. Así que, ¡adelante, compruébalo!
1. Moonlight: Amor bajo la luz de la luna (2016)
Moonlight es una película con muchos «hits» en el mundo del cine. Además de ser la primera película LGBT en ganar el Oscar, es también la primera producción que tiene todo el reparto 100% negro.
La trama está dividida en 3 etapas para contar las fases de la vida de Chiron y los retos a los que se enfrenta al lidiar con la pobreza y su orientación sexual en una época llena de prejuicios y discriminación. La década es la de los 80, en una ciudad pobre de Miami y en pleno auge del crack.
Chiron es un chico de los suburbios que descubrió que era gay cuando ni siquiera sabía lo que eso significaba. El mensaje de la película plantea cuestiones importantes al tratar la aprobación social y la inversión de valores. Por ejemplo, mientras que su madre es una consumidora de drogas, la persona a la que considera su padre es la que la mantiene, creando un conflicto interno en la cabeza del personaje.
La película fue dirigida por el increíble Barry Jenkins, que también participó en Medicine for Melancholy. Cuenta con una cinematografía impecable, con una iluminación y un encuadre perfectos. La concentración en la expresión de los personajes crea una fuerte conexión con el espectador.
¿Sabías que toda la película se rodó en 25 días? Incluso con este corto plazo y presupuesto, Jenkins consiguió mantener su propuesta inicial de no dejar que los actores, de diferentes fases de la vida de Chiron, se reunieran durante los rodajes. La idea era que cada uno transmitiera su propio estilo al personaje sin interferencias.
2. ¿Quién quiere ser millonario? (2008)
¿Cómo consiguió un niño indio y de los barrios bajos llegar al final de un juego millonario? Esta es la pregunta que se plantea al principio de la película para introducir la historia de Jamal Malik, un chico de 18 años que llega a la gran final de un programa millonario respondiendo a preguntas de cultura general.
A medida que el personaje avanza en el juego, las autoridades comienzan a cuestionar su honestidad, después de todo, ni siquiera los concursantes mejor clasificados han llegado tan lejos. Pero, aclamado por los medios de comunicación, Jamal lucha por demostrar que el mérito proviene de sus experiencias a lo largo de su vida, mezcladas con la pobreza y la desigualdad social.
La producción independiente es del cineasta Danny Boyle. De dudosa calidad, los colores saturados y los encuadres movidos pretenden transmitir la sencillez de la vida del personaje a través de flashbacks.
Es una película que alude a la cultura pop mientras muestra que la miseria y la falta de oportunidades no son indicativas en la construcción del carácter humano. Dany utilizó una tradición literaria inglesa para aplicarla a una narrativa de Bollywood, es decir, de la industria cinematográfica de habla hindú, creando una trama original. Merece la pena comprobar el resultado.
3. 127 horas (2010)
Otro drama dirigido por Danny Boyle, 127 horas es una producción británica que cuenta la historia real del alpinista Aron Ralston, que luchó por su vida durante unas incansables 127 horas tras un accidente en las montañas de Utah, en Estados Unidos.
A pesar de ser una película basada en hechos, lo que puede convertirla en un cliché, Danny consiguió presentar una historia que envuelve al espectador de principio a fin. Al principio, conocerás el universo que rodea al protagonista -protagonizado por el actor James Franco, el Duende Verde de Spider Man-, hasta que caigas en la grieta con él, cuando comienzan las escenas agónicas.
¿Conoces el dicho «todo estaba destinado a salir mal, pero salió bien»? Encaja perfectamente en esta película. Se suponía que era otro cliché de superación en el que un escalador se queda atascado en una roca y lucha con todas sus fuerzas por sobrevivir. Pero se convirtió en una historia convincente, con escenas que atrapan al espectador de principio a fin.
De hecho, la elección de James como actor principal fue precisamente por el parecido que tiene con Aron Ralston. Por lo tanto, si buscas una producción cinematográfica completa, con calidad cinematográfica, una trama bien construida y un mensaje fuerte, te gustará esta película independiente.
4. Reservoir Dogs (1993)
Reservoir Dogs, o «Perros de alquiler», es una producción escrita y dirigida por el talentoso Quentin Tarantino, que también se estrenó como guionista. La película cuenta la historia de 6 delincuentes que son «reclutados» por Joe Cabot, protagonizado por Lawrence Tierney, para robar una joyería con un alto valor en diamantes.
La narración hace una mezcla de elementos clásicos con referencias a la cultura pop. Los personajes aportan diálogos cotidianos, con chistes, palabrotas y menciones banales, creando una historia realista y natural. Por ejemplo, hay una escena en la que un personaje pregunta: «¿No habéis matado a gente de verdad?», mientras que el otro responde: «No, sólo policías».
En la historia, el espectador se involucra con las dos vertientes de los personajes, tanto la «ética y profesional», que muestra la visión de la delincuencia a través de las lentes de los delincuentes, como la «justa y bondadosa», cuando se rebelan por la muerte de una joven de 20 años.
En esta película independiente e increíble, Tarantino conduce la trama llena de flashbacks, primeros planos de los rostros de los personajes y movimientos de cámara que mantienen la atención del espectador. También hay escenas violentas que mantienen la expectación de lo que va a pasar en los próximos minutos. Este realismo teñido de años 70 fue lo que convirtió a la película en un icono de la época.
5. Tenemos que hablar de Kevin (2011)
Otra película independiente de éxito, «Tenemos que hablar de Kevin», cuenta la historia de una madre, interpretada por Tilda Swinton, que necesita rehacer su vida después de que su hijo Kevin, protagonizado por dos grandes actores, Jasper Newell y Ezra Miller, cometiera una masacre en una escuela cuando era niño.
La trama se divide en líneas temporales, narrando escenas del pasado y del presente para explicar cómo era la educación familiar y la relación entre madre e hijo. La película debería ser más una historia para abordar el drama y el horror que provocan los sucesos violentos, sin embargo, la dirección de Lynne Ramsay ha construido un mensaje distintivo para centrarse en la experiencia de los personajes involucrados.
Por ejemplo, mientras Kevin comete la masacre, la cámara enfoca el dolor y la desesperación de los presentes, incluida la propia frustración de Kevin. Por lo tanto, contextualiza las experiencias vividas en la infancia.
Se trata de una producción independiente adaptada de la novela de Lionel Shriver, que ahonda en las angustias de la culpa y el terror para crear varios interrogantes. La actriz Tilda Swinton está increíble en el papel de Eva, la madre de Kevin, transmitiendo magistralmente las etapas de la vida por las que pasa el personaje.
La producción cuenta con unos visuales atrevidos, con una narrativa que fragmenta y desvirtúa la trama en todo momento. Si buscas calidad y emoción, esta película te sorprenderá.
6. La vergüenza (2011): Shame
Protagonizada por el talentoso Michael Fassbender -del clásico Sherlock Holmes-, «Shame» cuenta la historia de Brandon, un hombre de éxito, pero que se enfrenta a frustraciones en las relaciones amorosas. Así que su escape está en el sexo, convirtiéndose en un amante incontrolable y adicto al sexo.
Se podría pensar que la película retrata la historia de un Don Juan, pero, la realidad es que nos cuenta lo torpe que es Brandon. Se entrega a las mujeres como si fuera a un matadero. Sin embargo, esta evasión se interrumpe cuando llega su hermana Sissy para una estancia repentina, interpretada por Carey Mulligan.
La película fue dirigida por Steve McQueen y su producción independiente huye de los guiones convencionales porque aborda cómo el personaje sufre la adicción sexual. La estética es genial y la fotografía aporta encuadres que convierten al espectador en un voyeur de las experiencias y conflictos de Brandon.
7. El payaso (2011)
Ahora, nos adentramos en el cine brasileño. En «O Palhaço», Selton Mello es el gran protagonista de toda la trama, ya que, además de ser el actor principal, también escribió, produjo y dirigió la película.
La trama narra la vida de Benjamín y su padre Valdemar, protagonizada por el actor Paulo José. Juntos forman el dúo de payasos Pangaré & Puro Sangue, que actúa en el Circo Esperança. La forma en que la película retrata la vida cotidiana de los miembros del circo hace que el espectador se sienta cercano a cada personaje, viviendo desde sus amarguras hasta sus alegrías.
Está claro que haber participado en la producción de principio a fin hizo que Selton Mello pudiera transmitir los anhelos y las emociones del personaje. Sin embargo, esta no era la idea inicial. Incluso ofreció el papel del payaso Pangaré a Wagner Moura y Rodrigo Santoro, pero tenían la agenda llena en ese momento.
La película también cuenta con un increíble reparto, con actores como Jorge Loredo, Larissa Manoela y Moacyr Franco. Aunque es serio y retrata el mundo real de los cómicos, también hace mención al juego, la diversión y el humor.
La producción fue elegida para una nominación al Oscar a la mejor película extranjera, pero se quedó fuera de la ceremonia. También fue considerada una de las 100 mejores películas brasileñas .
8. Buena suerte, mi amor (2012)
Con una producción épica que saca partido del elegante blanco y negro, «Buena suerte, mi amor» es un largometraje dirigido por Daniel Aragão que retrata un conflicto amoroso al tiempo que aborda cuestiones sociales de la vida cotidiana. La película narra el romance entre María (Christiana Ubach) y Dirceu (Vinicius Zinn) que, a pesar de tener raíces campesinas, no pueden crear la misma armonía con la metrópolis en la que viven.
Aunque la trama gira en torno a los personajes, también explora hechos de la ciudad de Recife, como la desigualdad social y el fuerte urbanismo. La banda sonora aporta tensión y emoción, mientras que la fotografía en blanco y negro explora los dos mundos entre la capital y las tierras del noreste.
Es esta mezcla de régimen feudal y mundo contemporáneo lo que la película quiere transmitir. Por ello, aporta una historia de amor diferente a los tópicos románticos. Los conflictos no giran en torno a Dirceu y María, sino al entorno en el que viven.
La producción aporta una bella fotografía, explorada por la iluminación y la ausencia de color. Esta película forma parte de un gran momento del cine pernambucano, reconocido nacionalmente por la calidad de sus producciones cinematográficas.
9.»The Sound Around» El sonido alrededor (2013)
Escrito y dirigido por Kleber Mendonça Filho, «The Sound Around» es un largometraje con historias paralelas, pero que, al mismo tiempo, se entrelazan. Narra los retos a los que se enfrentan los residentes de clase media alta de Recife, Pernambuco, que deben hacer frente a la llegada de un grupo de milicianos al lugar donde viven, comprometiendo su tranquilidad en la calle.
La película transmite un profundo mensaje sobre las relaciones sociales y cómo éstas evolucionan hasta llegar a la violencia. También aporta una visión poco explorada de la clase media brasileña, mostrando un público rebelde que quiere cambios, pero que no pierde tiempo en actuar para resolver los problemas.
La narrativa de la película aporta una propuesta diferente a lo que hemos visto en el cine tradicional, recordando sutilmente las ideas defendidas por el icono del cine Charles Chaplin. Siempre creyó que las producciones ruidosas comprometen la experiencia que el cine aporta al espectador. Por eso defendió el cine mudo durante años.
Así que, en medio de tantas producciones cada vez más ruidosas, he aquí este increíble guión de Kleber con su propio ritmo y aprecio por la sensibilidad sonora. Es una película independiente con una mezcla de un reparto de gran talento, tanto de profesionales como de aficionados.
Pero, ¿sabe cuáles son las normas para considerar una película como independiente?
La producción debe durar al menos 1 hora y 10 minutos y costar menos de 20 millones de dólares. Además, también tiene que haber participado en un estreno, ya sea en un festival de cine o durante una semana en una sala comercial.
Mejores peliculas alternativas
Las mejores películas alternativas son aquellas que se alejan de los estándares de la industria cinematográfica y exploran nuevos caminos narrativos y estéticos. Estas películas suelen ser producciones independientes, con presupuestos más bajos y un enfoque más arriesgado y experimental. A menudo, estas películas abordan temas sociales, políticos o emocionales de manera más profunda y reflexiva que las películas comerciales.
Una de las mejores películas alternativas de todos los tiempos es «El club de la lucha». Dirigida por David Fincher, esta película es un thriller psicológico que cuestiona la alienación y la masculinidad en la sociedad moderna. Con una narrativa no lineal y un estilo visual impactante, «El club de la lucha» se ha convertido en un clásico del cine independiente.
Otra película que merece ser mencionada es «Pulp Fiction» de Quentin Tarantino. Este film revolucionó la forma de contar historias en el cine, con su estructura no lineal y su diálogo ingenioso y lleno de referencias pop. «Pulp Fiction» es un ejemplo de cómo una película independiente puede alcanzar un gran éxito comercial y crítico al desafiar las convenciones narrativas.
En el ámbito del cine internacional, una de las mejores películas alternativas es «Amélie» de Jean-Pierre Jeunet. Esta película francesa cuenta la historia de una joven soñadora que busca cambiar la vida de las personas que la rodean. Con una estética visual deslumbrante y un enfoque poético, «Amélie» se ha convertido en un referente del cine independiente europeo.
Por último, no se puede dejar de mencionar «Eterno resplandor de una mente sin recuerdos» de Michel Gondry. Esta película aborda el tema del amor y la memoria de una manera original y emotiva. Con un guion inteligente y actuaciones destacadas, «Eterno resplandor de una mente sin recuerdos» es una de las mejores películas alternativas que han explorado los límites del cine romántico.
Cine de autor mejores películas
El cine de autor se caracteriza por la visión única y personal del director, quien imprime su sello distintivo en cada una de sus películas. A lo largo de la historia, hemos sido testigos de numerosas obras maestras que han dejado una huella imborrable en el mundo del cine.
Una de las mejores películas de cine de autor es “El Padrino”, dirigida por Francis Ford Coppola. Esta icónica película nos sumerge en el oscuro mundo de la mafia italiana en Estados Unidos, a través de una narrativa magistral y una dirección impecable. “El Padrino” se ha convertido en un referente del cine de autor, con una historia que combina drama, acción y una profunda exploración de los lazos familiares.
Otra joya del cine de autor es “El Ciudadano Kane”, dirigida por Orson Welles. Esta película revolucionó la industria cinematográfica con su innovadora forma de contar la historia y su uso magistral de la cinematografía. “El Ciudadano Kane” es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos, gracias a su guion inteligente y su interpretación magistral por parte de Welles.
En el ámbito del cine independiente, “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino ha dejado una marca imborrable. Esta película, que combina diferentes historias entrelazadas, se caracteriza por su estilo único y su diálogo ingenioso. “Pulp Fiction” rompió con las convenciones del cine tradicional y se convirtió en un referente del cine de autor contemporáneo.
Por último, no podemos dejar de mencionar “El Laberinto del Fauno” de Guillermo del Toro. Esta película mexicana nos transporta a un mundo de fantasía y realidad, a través de una historia fascinante y una dirección artística impecable. “El Laberinto del Fauno” es un ejemplo perfecto de cómo el cine de autor puede mezclar géneros y crear una experiencia cinematográfica única.