Películas de la Edad de Oro de Hollywood

Hollywood: de la Edad de Oro a los éxitos de taquilla

Qué es?

Aunque los hermanos franceses Auguste y Louis Lumière son considerados los «padres» del cine moderno, al haber inventado el cinematógrafo en la década de 1890, fue el cine estadounidense (o de Hollywood) el que convirtió este arte en una industria, habiéndose convertido en la fuerza dominante en este sentido desde principios del siglo XX. La media de largometrajes producidos anualmente en Estados Unidos es de 800, una cifra que no supera ningún país en la actualidad.

La sede de la industria cinematográfica estadounidense, desde principios del siglo pasado, es la región de Hollywood, en la ciudad de Los Ángeles, estado de California. Sus principales estudios son responsables de algunos de los mayores éxitos comerciales del cine mundial, entre ellos:

«Conocemos las películas más importantes de la Edad Dorada de Hollywood. El mejor cine clásico norteamericano»

El nacimiento de una nación / The Birth of a Nation (1915)

Lo que el viento se llevó (1939)

Sonrisas y lágrimas (1965)

La trilogía del Padrino (1972)

Tiburón (1975)

La saga de La Guerra de las Galaxias (1977)

E.T. el Extraterrestre (1982)

Parque Jurásico (1993)

Titanic (1997)

Avatar (2009)

El cine de Hollywood tuvo y tiene una enorme influencia en la industria cinematográfica de todo el mundo, donde las películas de Hollywood llenan las salas.
El estilo más conocido del cine estadounidense es el clásico, que se desarrolló entre 1917 y 1960 y ayudó a establecer el lenguaje cinematográfico utilizado por la mayoría de las películas que se siguen produciendo en la actualidad. Hollywood también se considera la cuna de varios géneros cinematográficos, como las películas de acción, los musicales, las comedias, los dramas, las películas de terror, la ciencia ficción y las epopeyas bélicas. Además, la industria es pionera en innovaciones tecnológicas relacionadas con la producción y la postproducción, invirtiendo mucho en efectos especiales y todo tipo de atracciones visuales para deleitar al público.

La historia de Hollywood

Los orígenes del cine americano están ligados al propio nacimiento del séptimo arte. Antes de los hermanos Lumière, en 1872, Eadweard Muybridge realizó un experimento fotográfico en Palo Alto, California, para captar una serie de imágenes que reproducían la escena de un caballo corriendo. A partir de ahí, varios inventores intentaron crear dispositivos para grabar imágenes en movimiento. En Estados Unidos, uno de los primeros en tener éxito en este empeño fue Thomas Edison, que se basó en los descubrimientos de la época para desarrollar el llamado kinetoscopio, una caja con imágenes filmadas en su interior, en 1891.

La historia de la industria cinematográfica estadounidense comenzó en la costa este del país. Entre 1910 y 1920, la ciudad de Fort Lee, en Nueva Jersey, fue la más importante en términos de producción. Fue Edison quien inició la comercialización del cine con la Black Maria Film Company. Las ciudades situadas a lo largo del río Hudson disponían de mucha tierra y el coste de producción era más barato que en Nueva York, lo que dio lugar a un periodo de crecimiento para esa región.

El estado de Florida también fue cotizado para albergar estudios, pero las condiciones climáticas (principalmente huracanes) desanimaron a los inversores. Otros grandes centros de producción cinematográfica de la época eran la ciudad de Chicago y el estado de Texas, además, por supuesto, de California, donde la industria ya empezaba a afianzarse.

La zona de Hollywood, en California, se constituyó como municipio en 1903. En 1910, el consejo de la ciudad votó para fusionar el distrito con Los Ángeles (del español los ángeles, literalmente «los ángeles», ahora la segunda ciudad más poblada de los Estados Unidos). Esta unión pretendía garantizar que Hollywood tuviera un suministro de agua adecuado y pudiera acceder al sistema de alcantarillado de Los Ángeles.

Primeros estudios de cine en Hollywood

El primer estudio cinematográfico de Hollywood fue la Nestor Motion Picture Company, que abrió sus puertas en 1911. En aquella época, la mayoría de las patentes de equipos y procesos cinematográficos pertenecían a la Motion Picture Patents Company de Nueva Jersey, una empresa dirigida por Thomas Edison. Para evitar ser demandados o que Edison confiscara sus cámaras, muchos cineastas se trasladaron a la costa oeste del país, donde podían eludir más fácilmente las leyes de patentes. Además, el clima templado y soleado de la región era ideal para rodar al aire libre durante todo el año. Los paisajes llanos y montañosos, con una gran variedad de escenarios, también contribuyeron a impulsar la producción cinematográfica local.

El primer cineasta que hizo una película en Hollywood fue D. W. Griffith, con el cortometraje In Old California (1910). Curiosamente, en esta época, Hollywood (que todavía era un distrito separado de Los Ángeles) había prohibido las salas de cine. En 1912, sin embargo, varias grandes productoras se habían establecido en la zona, como Paramount, Warner Bros., RKO y Columbia.

En los años 20, Hollywood era la quinta industria cinematográfica de Estados Unidos. En 1923, se instaló un enorme cartel con la palabra HOLLYWOODLAND en lo alto de las colinas de Hollywood para anunciar un proyecto inmobiliario. El hito fue restaurado en 1949, pero se eliminaron las letras «LAND» para que el cartel se refiriera sólo al distrito, no a la urbanización. Ya en 1929, Hollywood acogió la primera ceremonia de los Premios de la Academia, que a día de hoy es el galardón más respetado y prestigioso de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos.

En la década de 1930, los estudios de Hollywood empezaron a integrar los procesos de producción, distribución y exhibición, permitiendo el estreno de la friolera de 600 películas al año, lo que acabó transformando a Los Ángeles en la capital del cine estadounidense. Desde entonces, Hollywood se conoce como la «fábrica de sueños» o Tinseltown («ciudad de latón», en referencia a algo que tiene un brillo falso, que imita al oro).

A mediados de la década de 1950 se construyó la autopista de Hollywood, que sigue siendo una de las vías más importantes y transitadas de Los Ángeles en la actualidad. El popular Paseo de la Fama de Hollywood se inauguró en 1960 para honrar a los artistas y empleados de la industria del entretenimiento. Con el paso de las décadas, Los Ángeles creció aún más, acogiendo a los profesionales del sector audiovisual en busca de éxito y estrellato, muchos de los cuales podían estar satisfechos cuando podían pagar el alquiler.

«En Europa, un actor es un artista. En Hollywood, si no trabaja, es un mendigo», dijo el actor Anthony Quinn.

Hollywood pasó por un periodo menos glamuroso después de los años 60, con el fin de su Edad de Oro. Durante las décadas de 1980 y 1990, vivió la explosión de los éxitos de taquilla. Desde el año 2000, el distrito ha experimentado una revitalización promovida por las empresas privadas y las autoridades públicas. En 2001 se inauguró el Teatro Dolby, donde actualmente se celebra la ceremonia de los Oscar. En 2002, algunos residentes iniciaron una campaña para volver a separar Hollywood de Los Ángeles, pero la sugerencia fue desaprobada por la mayoría de la población.

Cineastas y las mejores películas clave americanas 

Una de las primeras producciones norteamericanas que alcanzó relevancia fue El gran robo del tren (1903), considerada también el primer western producido. Entre los cineastas más importantes, sin duda uno de los mayores pioneros fue D. W. Griffith, que revolucionó el cine en Estados Unidos con el desarrollo de una nueva sintaxis cinematográfica. Su controvertida epopeya El nacimiento de una nación (1915), que utilizó técnicas de montaje extremadamente innovadoras para la época, se produjo con sólo 61.000 dólares y se considera la película más rentable de todos los tiempos, ya que ganó más de 10 millones de dólares.

En 1910, Griffith y su compañía de actores (que incluía a Blanche Sweet, Lillian Gish, Mary Pickford y Lionel Barrymore) comenzaron a utilizar un terreno vacío en Los Ángeles para sus producciones. Aventurándose en busca de nuevas localizaciones, el equipo acabó encontrando Hollywood, en aquel momento un pequeño pueblo muy hospitalario para el rodaje. Fue allí donde el director rodó su cortometraje In Old California, antes de regresar a Nueva York.

Todavía a principios del siglo XX, cuando el cine era una novedad, muchos inmigrantes judíos acabaron buscando trabajo en esta industria, viendo en ella una lucrativa posibilidad de negocio. Hombres que luego se convirtieron en verdaderos magnates, como Samuel Goldwyn, William Fox, Carl Laemmle, Adolph Zukor, Louis B. Mayer y los hermanos Warner (Harry, Albert, Samuel y Jack), precursores de la creación de los que serían los mayores estudios norteamericanos. Una mujer también destacó en los inicios de la industria: la directora, productora y empresaria Alice Guy-Blaché.

Charles Spencer Chaplin, o Charlie Chaplin, fue uno de los exponentes del cine mudo estadounidense. Aunque sus orígenes eran británicos, el cineasta y comediante rodó gran parte de su producción en California (donde poseía un estudio), incluyendo clásicos como The Kid (1921), The Gold Rush (1925), City Lights (1931) y Modern Times (1936). Su personaje más emblemático, El Vagabundo, marcó la historia del cine, en una carrera que abarcó más de 75 años.

The Jazz Singer (1927), de Alan Crosland, fue la primera película que utilizó voces sincronizadas y también la primera del género musical, iniciando la era del cine sonoro en Estados Unidos. A partir de entonces, varias compañías de Hollywood empezaron a utilizar la tecnología del Vitaphone en sus producciones, lo que provocó que muchos actores populares del cine mudo perdieran su trabajo, ya que a menudo no tenían buenas voces o no podían memorizar sus líneas.

Las primeras películas mudas americanas encontraron el rechazo en el mercado internacional, incluso en los países de habla inglesa. Tampoco era posible doblar las películas a otros idiomas porque la tecnología de sincronización era aún muy primitiva. Una de las soluciones fue volver a grabar las mismas historias en versiones paralelas, con actores extranjeros y menor presupuesto, para estrenarlas en otros países; sin embargo, debido a su escasa calidad, estas producciones no tuvieron mucho éxito.

La Época dorada de Hollywood

La era clásica (1917 a 1960), Studio System y Star System.
La llamada Época Clásica o Edad de Oro del cine estadounidense abarcó el periodo comprendido entre 1917 y 1960. El Cantor de Jazz marcó su inicio, con el aumento de beneficios que supuso la llegada de los largometrajes sonoros. Durante este periodo, la mayoría de los estudios se adhirieron a fórmulas de éxito: westerns, comedias slapstick, musicales, dibujos animados y películas biográficas. Además, era habitual que los equipos creativos detrás de las películas trabajaran a menudo para los mismos estudios: por ejemplo, el compositor Alfred Newman estuvo contratado por la 20th Century Fox durante veinte años y el director Cecil B. De Mille produjo casi todas sus películas para la Paramount. Lo mismo ocurría con los actores: la MGM se jactaba de tener en nómina «más estrellas que las que había en el cielo».

El llamado sistema de estudios fue la base de la industria cinematográfica durante cuatro décadas. Los grandes estudios empleaban a miles de profesionales fijos: actores, directores, productores, guionistas, técnicos e incluso dobles. Las mismas empresas eran también propietarias de innumerables cines, que proyectaban sus propias películas y tenían una demanda constante de novedades.

En aquella época, los mayores estudios, conocidos como Los Cinco Grandes, eran 20th Century Fox, RKO Pictures, Paramount Pictures, Warner Bros. y Metro-Goldwyn-Mayer (o MGM). Los Tres Pequeños, o «los tres más pequeños», eran Universal Studios, United Artists y Columbia Pictures.

A lo largo de la década de 1930, la MGM dominó la gran pantalla, además de ser la contratista de las mayores estrellas de Hollywood. El estudio fue uno de los protagonistas de la creación del llamado star system. El método de producción de la época estaba marcado por la promoción casi forzada de los actores de Hollywood al estrellato. Los estudios seleccionaban a jóvenes con potencial para convertirse en estrellas y los «moldeaban» para que encarnaran el glamour de Hollywood, creándoles nuevas personalidades, a veces incluso inventando nombres e historias de vida. Algunos ejemplos de actores que pasaron por esto son Cary Grant (cuyo verdadero nombre era Archie Leach), Joan Crawford (Lucille Fay LeSueur) y Rock Hudson (Roy Harold Scherer, Jr.), así como Clark Gable, Lionel Barrymore, Jean Harlow, Norma Shearer, Greta Garbo, Jeanette MacDonald y su marido Gene Raymond, Spencer Tracy, Judy Garland y Gene Kelly.

Este sistema se centraba en la imagen de los actores, no en la actuación: se esperaba que las mujeres se comportaran como damas, que nunca salieran de casa sin maquillaje o con poca ropa, y los hombres debían ser vistos como caballeros. Una de las grandes estrellas de los años 40, Marilyn Monroe, dijo una vez que Hollywood era «un lugar donde se pagan mil dólares por un beso y cincuenta centavos por el alma».

Walt Disney: El creador de las películas de  animación

Otra innovación en el cine estadounidense de la época fue la compañía de Walt Disney, pionera en el campo de la animación, con grandes éxitos que dieron lugar a un auténtico imperio que se extendió por varios países. En 1937, Disney creó el dibujo animado más exitoso de todos los tiempos, Blancanieves y los siete enanitos, un largometraje con impresionantes tecnologías de animación, que dio inicio a una serie de películas de fantasía protagonizadas por princesas que marcaron la infancia de innumerables niños de todo el mundo.

La cúspide del sistema de estudios en Hollywood fue el año 1939, cuando se estrenaron éxitos como El mago de Oz, Lo que el viento se llevó y La diligencia. En el punto álgido de la popularidad del cine de Hollywood, se producían unos 400 largometrajes al año, con una audiencia de 90 millones de espectadores cada semana sólo en Estados Unidos. Otros clásicos de la Edad de Oro son la primera versión cinematográfica de:

King Kong (1933),
Sucedió una noche (1934),
El gran motín de la Bounty (1935),
O Picolino / Top Hat (1935),
Casablanca (1942),
It’s a Wonderful Life (1946),
La dama de Shanghai (1947),
Red River (1948),
Janela Indiscreta / Rear Window (1954),
On the Waterfront (1954),
Rebelde sin causa (1955),
Some Like It Hot (1959)
Bajo el Mal de Muerte / El Candidato de Manchuria (1962).

Entre las principales estrellas de la Era Clásica de Hollywood, además de las ya mencionadas, se encontraban Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Katharine Hepburn, Fred Astaire, Ginger Rogers, Marlon Brando, John Wayne, James Stewart, Buster Keaton, Claudette Colbert, Burt Lancaster, Gregory Peck, Elizabeth Taylor, Kirk Douglas, Bette Davis, Audrey Hepburn, Grace Kelly, Laurence Olivier, Marlene Dietrich, James Cagney, Ava Gardner, Ingrid Bergman, Henry Fonda, Marilyn Monroe, James Dean, Mae West, William Holden, Sophia Loren, Vivien Leigh, Joan Fontaine, Gary Cooper, Shirley Temple, Janet Leigh, Charlton Heston, Rita Hayworth y Mary Pickford.

Aunque la Edad de Oro de Hollywood fue un periodo de reglas estrictas para la producción cinematográfica, algunas de las mayores obras de arte del cine estadounidense se realizaron durante este periodo, como Ciudadano Kane (1941), dirigida por Orson Welles y considerada por muchos como la mejor película de la historia. Esto se debe a que, con tantos largometrajes estrenados, los estudios podían permitirse apostar por obras más arriesgadas y artísticas, de presupuesto medio, con buenos guiones y actores no tan famosos. Otros ejemplos que se ajustan a esta descripción son las películas de Howard Hawks, Alfred Hitchcock y Frank Capra, cineastas de fuerte carácter que lucharon por mantener su libertad creativa frente a los estudios.

El declive del sistema de estudios, y en consecuencia de la Edad de Oro de Hollywood, comenzó a finales de la década de 1940. El primer factor que perjudicó a la industria fue una ley federal (la llamada Anti-Trust Act), que separó los procesos de producción y exhibición de películas, lo que obligó a las salas a ampliar su oferta de películas y acabó con los monopolios de los grandes estudios, que también se vieron obligados a acabar con los contratos de sus actores y técnicos fijos. Esto provocó un cambio de paradigmas en el aspecto creativo, ya que los equipos eran totalmente diferentes para cada nueva película.

El segundo factor que contribuyó al fin de esta época fue la llegada de la televisión. La novedad cambió la forma de producir las películas estadounidenses, en particular las de Hollywood, ya que llevó a los estudios a una nueva estrategia de inversión: empezaron a financiar menos producciones al año, pero con mayores presupuestos, con el objetivo de ofrecer grandes opciones de entretenimiento que pudieran competir con la televisión. De este modo, invirtieron en historias visualmente espectaculares y épicas.

La era postclásica del Cine en Hollywood (1960 a 1980)

El Nuevo Hollywood, que comenzó en los años 60 y duró hasta los 80, tiene como principal nombre Steven Spielberg, que se convirtió en uno de los directores y productores más populares de la historia del cine mundial. Esta época «posclásica» trajo consigo cambios en la forma de contar las historias, con nuevos enfoques en la construcción narrativa y la caracterización, como la cronología no lineal, la ambigüedad moral entre el protagonista y el antagonista, y los llamados «twist endings» (giros sorprendentes, generalmente revelados al final de la película, inspirados en el género del cine negro).

Este periodo dio lugar a una nueva generación de cineastas que habían pasado por las escuelas de cine y que conocían las técnicas y movimientos cinematográficos desarrollados en Europa en las décadas anteriores (como el neorrealismo italiano y la Nouvelle Vague francesa). La película Bonnie and Clyde / Bonnie y Clyde (1967), de Arthur Penn, marcó el renacimiento del cine de Hollywood, especialmente en la taquilla. Easy Rider (1969) fue otro gran éxito, con un presupuesto relativamente bajo, héroes inmorales y una buena dosis de sexualidad y violencia.

Cineastas que aún hoy son venerados, como Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas, Brian De Palma, Stanley Kubrick, Martin Scorsese, Roman Polanski y William Friedkin, muchos de los cuales siguen trabajando en la industria, empezaron a producir obras que rendían homenaje a la historia del cine y aportaban referencias a géneros y técnicas desarrolladas por el cine clásico. Por ello, los largometrajes producidos en la década de 1970 por estos directores fueron aclamados por la crítica, al tiempo que encontraron una buena acogida entre el público.

La llegada de la era moderna y las superproducciones de hollywood llegó con el rotundo éxito de películas como,

Una odisea del espacio (1968), de Kubrick;

• Taxi Driver (1972), de Scorsese;
• El Padrino (1972) y Apocalypse Now (1979), de Coppola;
• El Exorcista (1973), de Friedkin;
• American Graffiti (1973) y Star Wars (1977), de Lucas;
• Chinatown (1974), de Polanski;
• Tiburón (1975), de Spielberg.

Aunque los jóvenes directores tenían la desagradable costumbre de reventar los plazos y los presupuestos, los estudios estaban al acecho de nuevos éxitos y a menudo gastaban incluso más de lo que podían permitirse, como United Artists, que quebró durante la producción de Heaven’s Gate (1980), de Michael Cimino. La frase del productor Byron Allen ilustra bien este periodo:

El mercado del vídeo doméstico, el DVD y el streaming (desde los años 80 hasta la actualidad)

Los años 80 y 90 trajeron el mercado del vídeo doméstico, es decir, la gente empezó a alquilar o comprar películas para verlas en casa. Al mismo tiempo que la venta de entradas a las salas de cine sufría un golpe, los estudios veían la posibilidad de un nuevo negocio. Otra característica de este periodo fue una nueva generación de cineastas, con acceso a cintas VHS y cámaras de vídeo, que empezaron a hacer películas por muy poco dinero. Los bajos costes de producción y las nuevas tecnologías provocaron una explosión de largometrajes independientes en el cine norteamericano, lo que permitió el ascenso de cineastas que no estaban sujetos a la aprobación de los grandes estudios para hacer realidad sus ideas.

Entre los más destacados de esta generación están Quentin Tarantino, Robert Rodríguez, Paul Thomas Anderson, Spike Lee, Steven Soderbergh y Kevin Smith. Al tener acceso a innumerables estrenos en vídeo y a clásicos, los directores introducen en sus obras una enorme cantidad de referencias y conexiones con otras películas. Su estilo era innovador e irreverente, con elementos de la cultura pop. Los videoclips que se estrenaban en las cadenas de televisión jóvenes, con sus cortes rápidos y su ritmo frenético, también influyeron en el lenguaje cinematográfico de la época, especialmente en el montaje.

Con la popularización de los DVD a principios del siglo XXI, este tipo de soporte se hizo más interesante y rentable para los estudios, ya que permitía la inserción de material extra, escenas cortadas y comentarios del equipo. En este contexto, mientras el cine independiente prosperaba, Hollywood apostaba por los héroes de acción en las superproducciones, con actores famosos como Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Bruce Willis, Steven Seagal, Jean-Claude Van Damme, Wesley Snipes y Jackie Chan. Esta necesidad de atraer al público con grandes espectáculos se mantiene hasta hoy, especialmente con la popularización de los medios digitales y los servicios de streaming.

Algunas de las películas de Hollywood que dejaron huella en la década de 1980 fueron:

• E.T. El Extraterrestre / E.T. The Extra-Terrestrial (1982),
• Blade Runner: El cazador de androides (1982), Scarface (1983),
• Los Cazafantasmas (1984),
• The Terminator (1984),
• Beverly Hills Cop (1984),
• Los Goonies (1985),
• Regreso al futuro (1985),
• Top Gun: Top Gun (1986),
• Aliens: El rescate (1986),
• Arma Letal (1987),
• Atracción fatal (1987),
• Wall Street (1987),
• Rain Man (1988),
• La Jungla de Cristal (1988)
• Paseando a Miss Daisy (1989).

Entre las películas americanas más populares de la década de 1990 se encuentran:

• Bailes con lobos (1990),
• Thelma y Louise (1991),
• El silencio de los corderos (1991),
• Terminator 2: El Juicio Final (1991),
• Sin Perdón (1992),
• El Guardaespaldas (1992),
• El Fugitivo (1993),
• Jurassic Park (1993),
• La lista de Schindler (1993),
• Forrest Gump (1994),
• Pulp Fiction (1995),
• Braveheart (1995),
• Titanic (1997),
• El Club de la lucha (1999),
• Matrix (1999),
• El Sexto sentido (1999)
• American Beauty (1999).

La década de 2000 llegó con la fiebre de las grandes franquicias, a menudo inspiradas en series de libros adoradas por miles de fans, como Harry Potter y El Señor de los Anillos. La franquicia de Piratas del Caribe y sus secuelas, así como las secuelas de La Guerra de las Galaxias, también han tenido un considerable éxito de taquilla.

Batman: El Caballero Oscuro resucitó las películas de superhéroes inspiradas en los cómics y, desde entonces, la batalla entre Marvel y DC ha llevado a miles de millones de personas a los cines cada año. Para poner las cifras en perspectiva, el año pasado la venta de entradas para las películas de Hollywood superó los 10.000 millones de dólares.

Recientemente, servicios de streaming como Netflix y Amazon han abierto un nuevo nicho de mercado, especialmente para el cine independiente. Estas películas de menor presupuesto realizadas fuera del universo de Hollywood hacen hincapié en elementos como la dirección y el guión, centrándose en soluciones creativas e innovadoras para compensar la falta de recursos. Algunas producciones de este tipo han sido aclamadas por el público y la crítica, especialmente los documentales y las películas más experimentales.

Principales características del Cine Americano

El cine de Hollywood siempre se ha caracterizado por sus motivaciones políticas y de mercado. Desde los años 30, cuando el presidente Roosevelt utilizó a las grandes estrellas de Hollywood para una campaña gubernamental, Estados Unidos ha utilizado su mayor herramienta de comunicación e influencia para difundir su modo de vida y su forma de pensar. El glamour de Hollywood también se utilizó ampliamente para promocionar productos, que se consideraban objetos de deseo cuando se veían en manos de actores famosos; la industria del tabaco, por ejemplo, se benefició mucho de este tipo de visibilidad.

Poco a poco, a medida que los viejos magnates de Hollywood fueron sustituidos por una generación más joven, las ideas liberales cobraron fuerza en el cine estadounidense; sustituyendo el conservadurismo que, en los viejos tiempos, se reforzaba con la censura. Las películas se han vuelto más inclusivas y los profesionales se han preocupado por las cuestiones de género y representación, delante de la cámara y en el plató. Sin embargo, la industria sigue siendo muy criticada por seguir siendo esencialmente sexista, racista, obsesionada con la juventud y los estándares de belleza, y mucho más preocupada por el dinero y el poder que por el aspecto creativo o artístico del cine.

Estéticamente, el lenguaje de las películas norteamericanas ha sufrido varios cambios en este siglo de existencia del cine. Sin embargo, algunas particularidades de las películas clásicas se pueden percibir hasta hoy, como la preferencia por las narrativas tradicionales y directas (que se alejan de la experimentación) y con un viaje del héroe bien definido, centrándose en personajes que puedan generar identificación con el público – principalmente masculino. Las superproducciones, cargadas de efectos especiales y escenarios diversos, que favorecen la acción y la aventura, son también características de este cine. En cuanto a los temas, hay una preferencia por fantasear la realidad, centrándose en el individualismo y la manipulación de las emociones. Este estándar de referencia de Hollywood, por estar tan difundido en todo el mundo, acaba generando cierta incomodidad en el espectador cuando se encuentra con otras estéticas, más complejas, que presentan narrativas lentas o con más subjetividad.

Lo que el Cine Americano ha aportado al cine mundial ha sido mucho

El legado de Hollywood se hace evidente en la forma en que el cine norteamericano se ha extendido por todo el mundo, estableciendo un modo de producción industrial para el séptimo arte. Independientemente de sus méritos o defectos, este cine está masivamente presente en el repertorio y en la memoria afectiva de un buen número de cinéfilos.