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Cuando nació Frank Sinatra

Frank Sinatra nació en Nueva Jersey en el seno de una familia humilde y pasó una infancia de contención y renuncia, trabajando como pintor y sin asistir a la escuela. Su madre es comadrona y su padre bombero. Ya a los dieciséis años, canta en una banda de amigos, los Turcos.

La trayectoria musical de Frank Sinatra: Sus canciones más famosas

El amante de Lauren Bacall, grabó más de dos mil canciones para 166 álbumes y se acercó a la gran pantalla gracias a la orquesta de Tommy Dorsey interpretando ‘Las Vegas Nights’ (1941). En 1939 se casó con la primera de sus cuatro esposas, Nancy Barbato, que le dio tres hijos y con la que permaneció hasta 1950.

Frank Sinatra y el cine: «De aquí a la eternidad»

En 1943, protagonizó «Higher and Higher», de Tim Whelan. Esto marcó el comienzo de una etapa en la que el cantante se dedico a las «películas musicales» . Entre las más famosas están las que cuentan con Gene Kelly: ‘Dos marineros y una chica’ (1945), de George Sidney, ‘Animémonos juntos’ (1949), de Busby Berkeley, y ‘Un día en Nueva York’ (1949), de Stenley Donen y Gene Kelly. Entre 1951 y 1957, tras el divorcio de su primera esposa, mantuvo una intensa relación con Ava Gardner, que le dio mucha popularidad y que dio que hablar.

Sus trayectoria como actor estuvo marcada por  «Gangsters on the Loose» (1954) de Lewis Allen, «The Man with the Golden Arm» (1955) de Otto Preminger y «High Society» (1956) de Charles Walters,  ‘Matones y muñecas’ (1955) de Joseph Mankiewicz y ‘La vuelta al mundo en ochenta días’ (1956), de Michael Anderson.

¿Cuantos Oscar´s recibió Frank Sinatra?

Recibió un premio de la Academia al mejor actor de reparto en el drama de Fred Zinnemann «De aquí a la eternidad» (1953).

Frank Sinatra como productor de cine y de musicales

En la década de 1960, tras un interludio romántico con Mia Farrow, se dedicó principalmente a la producción de películas, limitando sus actuaciones a un número muy limitado. Además del musical de Bud Yorkin ,  cabe destacar los siguientes: «Los cuatro de Texas» (1963) de Robert Aldrich, «Los cuatro de Chicago» (1964) de Gordon Douglas, «Luchadores de la noche» (1966) de Melville Shavelson, el drama policíaco «El detective» (1967) de Gordon Douglas, «Érase una vez en Hollywood» (1974) de Jack Haley Jr y la más reciente «Quién engañó a Roger Rabbit» (1988), de Robert Zemeckis, su última aparición. Frank siempre ha sido sensible a las cuestiones humanitarias, los problemas raciales y las injusticias sociales en general.

De hecho, se dedicó mucho a la caridad y, en los años 50, a la defensa de los negros en Estados Unidos, junto a su amigo Sammy Davies Junior. Una personalidad carismática, una mirada azul y una voz encantadora permanecen en la memoria de todos, sólo con pronunciar su nombre, Frank Sinatra, no es casualidad que se le haya llamado «la Voz», como símbolo absoluto de la música y la canción.

Frank sinatra canciones famosas

Frank Sinatra es uno de los cantantes más icónicos de todos los tiempos, conocido por su estilo vocal único y su capacidad para transmitir emociones a través de la música. A lo largo de su carrera, Sinatra grabó numerosas canciones famosas que se han convertido en clásicos atemporales. Una de las canciones más conocidas es «My Way», lanzada en 1969. Esta canción se ha convertido en un himno para aquellos que buscan vivir la vida a su manera y ha sido interpretada por numerosos artistas en todo el mundo.

Otra canción famosa de Sinatra es «Strangers in the Night», lanzada en 1966. Esta canción ganó el premio Grammy a la Mejor Grabación del Año y se convirtió en uno de los mayores éxitos de Sinatra. Con su melodía pegadiza y su letra romántica, «Strangers in the Night» sigue siendo una de las canciones más queridas del repertorio de Sinatra.

Además de sus éxitos románticos, Sinatra también grabó canciones famosas en el género del swing. Una de estas canciones es «Fly Me to the Moon», lanzada en 1964. Con su ritmo animado y su letra optimista, esta canción se ha convertido en un clásico del jazz y ha sido interpretada por innumerables artistas a lo largo de los años.

Otra canción famosa de Sinatra en el género del swing es «New York, New York», lanzada en 1979. Esta canción se ha convertido en un himno para la ciudad de Nueva York y es ampliamente reconocida en todo el mundo. Con su energía contagiosa y su letra enérgica, «New York, New York» es una de las canciones más emblemáticas de Sinatra y siempre es un punto culminante en sus conciertos.

Robert aldrich frank sinatra

Robert Aldrich fue un reconocido director de cine estadounidense que tuvo la oportunidad de trabajar con el legendario Frank Sinatra en la película «El vuelo del Fénix» en 1965. Aldrich fue conocido por su estilo audaz y su enfoque en personajes complejos y situaciones intensas. Su colaboración con Sinatra fue un éxito, y juntos lograron crear una película emocionante y llena de acción.

Frank Sinatra, conocido como «La Voz», fue uno de los cantantes más influyentes y populares del siglo XX. Su poderosa voz y carisma en el escenario lo convirtieron en un ícono de la música, pero también demostró ser un talentoso actor en varias películas a lo largo de su carrera. Sinatra trabajó con Aldrich en «El vuelo del Fénix» y demostró su versatilidad interpretando a un piloto valiente y decidido.

La colaboración entre Aldrich y Sinatra fue una combinación perfecta. Ambos eran artistas talentosos y apasionados que buscaban romper barreras y llevar su arte al límite. Aldrich fue capaz de capturar la intensidad y la emoción de Sinatra en la pantalla, creando momentos memorables que quedaron grabados en la historia del cine.

«El vuelo del Fénix» fue solo una de las muchas películas exitosas en las que trabajó Frank Sinatra a lo largo de su carrera. Su habilidad para transmitir emociones a través de la música se reflejaba también en su actuación, lo que le valió el reconocimiento de críticos y audiencias. Sinatra fue un artista completo, y su colaboración con Aldrich en esta película es un testimonio de su talento y dedicación a su oficio.

Tanto Robert Aldrich como Frank Sinatra dejaron un legado duradero en la industria del entretenimiento. Sus contribuciones artísticas continúan siendo apreciadas y admiradas por personas de todo el mundo. La colaboración entre estos dos talentosos artistas es un ejemplo de cómo la combinación de habilidades y pasiones puede llevar a la creación de obras maestras atemporales.

Alfred Hitchcock: Una historia de éxito

Gracias a un contrato con la Paramount, a partir del cual se convirtió también en productor de cinco películas, Hitchcock alcanzó sus mayores éxitos artísticos, coincidiendo con la «rehabilitación» de su figura por parte de la crítica francesa.

El nuevo debut fue deslumbrante: con La ventana indiscreta (1954), Hitchcock firmó una de las piedras angulares de su carrera, así como una obra maestra inmortal de la historia del cine. Sí podemos hablar de un renacimiento del director.

En los primeros minutos de la película, el autor nos hace ver dónde estamos gracias a los movimientos de la cámara, que nos introduce en un piso y luego, saliendo por la ventana, nos acompaña con un rápido plano del patio y sus viviendas. En la profundidad de campo, un trozo de una calle muy transitada.

A continuación, la cámara vuelve al rostro de un hombre inmovilizado en cuya pierna hay un nombre escrito en escayola: L.B. Jeffries, se detiene en la foto de un accidente de coche que hay en la pared y, finalmente, se posa en unas revistas de fotografía.

En apenas cuatro minutos, el espectador lo sabe todo sobre el protagonista y pronto descubrirá también que es un indomable «mirón», como le apostilla despectivamente su ama de llaves.

Además de confirmar el talento de Hitchcock como director, la película es una obra sobre el propio cine: las múltiples ventanas que se abren son otros tantos mundos posibles (la mujer soltera, la bailarina, la joven pareja, un presunto asesino, el compositor) que los espectadores observamos a través de los ojos y prismáticos del protagonista (la película está rodada casi íntegramente en subjetivo), que nos hace a todos partícipes y mirones a su vez.

La Ventana Indiscreta

La ventana indiscreta es una gran objetivación y al mismo tiempo una interpretación y una reflexión sobre el estado del cine y su máquina de producción, sobre la técnica y el lenguaje cinematográficos, así como sobre la relación con el espectador.

La ventana indiscreta contiene también uno de los besos más sofisticados y sensuales de la historia del cine: es de noche y Jeff está dormido en su silla de ruedas cuando Lisa (una maravillosa Grace Kelly) entra, mira a Jeff (Cary Grant), luego a nosotros, los espectadores, y le besa mientras los movimientos de los rostros se ralentizan muy poco por una imperceptible superposición de las imágenes.

La película captó el entusiasmo de Hitchcock de una manera muy diferente a sus otras producciones anteriores y su estado de ánimo estaba por las nubes, quizás debido en parte a su encantadora protagonista, cuyo talento, carrera e imagen pública estaba moldeando.

Con su elegancia y belleza y su leve rastro de pasión oculta, Grace Kelly era la respuesta tanto a su gusto profesional como a sus fantasías personales, hasta el punto de que pensaba (esperaba) no necesitar más actrices.

Todo el mundo comprendió que el director estaba cautivado por la encantadora Grace, y Hitchcock también quiso contratarla para su siguiente película:

Atrapa a un ladrón

La película es una comedia rodada en la Riviera francesa con Cary Grant y Grace Kelly, que contiene una delicada insinuación sexual cuando los fuegos artificiales siguen a un prolongado beso en el sofá entre ambos.

La película destaca por sus juegos de palabras y visuales (siempre sexuales) y sus dobles sentidos, y de hecho, en los años 50, «fue una de las películas que movió los límites del humor adulto».

Hitchcock supo sortear la censura y nadie lloró el escándalo, hasta el punto de que la película fue considerada tan extravagante que mereció un Oscar a la fotografía para Robert Burks.

39 Escalones

Una historia surrealista impregnada de humor negro ambientada en Vermount e iluminada por la espléndida fotografía del fiel Robert Burks.

La animada e irónica banda sonora fue escrita por Bernard Hermann , muy deseado por Hitchcock, y con quien consiguió una brillante colaboración durante los nueve años siguientes, gracias en parte a sus afinidades de carácter, así como a sus personalidades de gran talento.

En 1956, adaptó a su manera y completó una antigua película de su época inglesa,

El Hombre que sabía demasiado

En la película, famosa también por la extraordinaria secuencia de diez minutos filmada en el Royal Albert Hall de Londres, mientras Bernard Hermann dirige un concierto, la relación entre música, montaje y suspense llega a su máxima expresión cuando el batir de los platillos coincide con el disparo del asesino.

Sin embargo, el disparo es desviado por el grito desesperado de Jo (Doris Day), que hizo famosa su canción «Que será será» en esa misma película, fondo de una escena cargada de tensión.

En realidad es el músico el que «permite» que se dispare, aunque sin su conocimiento, mientras que el espectador lo sabe todo, ve la mano de la pistola a punto de disparar y es, por tanto, víctima potencial y asesino al mismo tiempo.

Durante estos años, Hitchcock renunció cada vez más al sonido y volvió a «dejar hablar a la cámara», como si quisiera confiar únicamente en el poder de las imágenes: podemos ver largas secuencias mudas, sublimadas por la música de Bernard Herrmann, desde La ventana Indiscreta hasta Los pájaros, pasando por «El hombre que sabía demasiado«,» Vértigo», «North» o «Psicosis».

Después de dirigir algunas películas y series de televisión, en octubre de ese año Hitchcock estaba listo para hacer planes para su siguiente tema cinematográfico, que quería que protagonizaran Vera Miles (a quien consideraba la suplente de su querida Grace Kelly ) y James Stewart.

Vértigo

Vértigo contiene los créditos iniciales más bellos de toda la filmografía del director londinense: fluyen sobre un rostro femenino, pasando de la boca a los ojos y transformándose luego en vértigo animado (creado por Saul Bass) en la pupila.

En este viaje surrealista al inconsciente, el psicoanálisis y el surrealismo resurgen en el sueño animado de Scottie (James Stewart); el sueño y la realidad son indistinguibles, las imágenes abstractas representan una visión distorsionada de la realidad.

Algunos momentos memorables: la mirada perdida y desconcertada de Scottie mientras se aferra al tejado, la zambullida de Madeleine (Kim Novak) en la bahía de San Francisco, la escena cargada de erotismo de Novak en bata, la larga secuencia silenciosa subrayada por un motivo «español» que acompaña a Scottie en su acecho de Madeleine empeñado en contemplar un cuadro de Carlotta Valdés, la obsesión del protagonista por «devolver» a Madeleine a la vida moldeando un doble (? ) a su imagen y semejanza.

Y luego el final, angustioso y bello, lúgubre y oscuro, inquietante y aterrador, amenazante y melancólico en las escaleras de la torre de la iglesia, donde Scottie supera su fobia al vértigo y ve caer de nuevo a «su» mujer bajo la mirada escalofriante de una monja monstruosa.

Hitchcock estaba convencido de que Kim Novak no era la mujer adecuada y, sin embargo, la película fue uno de los mayores éxitos del director, hasta el punto de que hoy en día sigue siendo una de las películas más queridas por los cinéfilos y, desde 2012, según el British Film Institute, la película ha superado a «Ciudadano Kane», de Orson Welles, para ganar el título de «Película más bella de todos los tiempos».

 

Psicosis

Alfred Hitchcock quedó fascinado por una pequeña novela de Robert Bloch, «Psicosis«, y quiso hacer una película con ella, pero al no encontrar a nadie dispuesto a financiar la historia decidió autoproducirse: con un presupuesto de sólo 800.000 dólares realizó, deliberadamente en blanco y negro, Psicosis (1960), que sería el mayor éxito comercial de su carrera.

La película, en su guion, es fiel a la novela. Sin embargo, Hitchcock aceptó los consejos de su guionista Joseph Stefano e hizo a los personajes más «simpáticos».

«Tras sólo 40 minutos de película, el protagonista principal muere, un gesto revolucionario en el cine clásico de Hollywood (por consejo de su esposa Alma), y el espectador pierde inmediatamente toda la confianza al no poder identificarse ya con ningún personaje.»

El psicópata, que en el libro era calvo y gordo, en la transposición cinematográfica adopta en cambio la apariencia de un joven encantador (aunque Perkins siguió preso de ese papel durante el resto de su carrera) súcubo de una madre sobreprotectora (otra constante en las películas de Hitchcock).

Con Psicosis, el director somete al público a un nuevo código de interpretación y, después de haber construido un lienzo obsesivo en su obra sobre los temas del complejo de culpa, el pecado, la sexualidad y el doble, elimina incluso la figura materna al poner en escena temas como el complejo de Edipo, que hasta ahora nadie se había atrevido a hacer en la gran pantalla.

Se puede intentar comprender esta violencia -dirigida hacia las mujeres a partir de Psicosis- con el cúmulo de resentimiento que sentía por Kim Novak y Vera Miles, que podrían haberse convertido en su mayor estrella y en cambio habían preferido la maternidad, pero quizás sobre todo por Audrey Hepburn que, al no aceptar algunas escenas del papel que le dio el director en un nuevo proyecto suyo, le mandó al paredón (ya entraremos en detalles).

Psicosis es la última de las películas con las que el director inglés se sintió completamente satisfecho, y no sólo porque fue un gran éxito de público y crítica (aunque con un año de retraso), sino sobre todo porque consiguió crear un tema infinitamente más rico e imprevisible que la novela en la que se basaba.

Un elemento significativo fue el enorme uso de espejos, desde la oficina hasta el mostrador del motel, desde la casa de la protagonista hasta el coche, desde su habitación del motel hasta la habitación de la madre del asesino, donde se hace evidente el significado del doble espejo.

Para Hitchcock, el espejo no sólo es un tema útil para sugerir una personalidad dividida, sino que también marca una necesidad de introspección: en resumen, para ver nuestro verdadero yo dividido debemos mirarnos en el espejo.

Pelicula mas famosa de alfred hitchcock

La película más famosa de Alfred Hitchcock es «Psicosis» (1960). Esta obra maestra del cine de suspense ha dejado una huella imborrable en la historia del cine. Basada en la novela de Robert Bloch, la trama gira en torno a Marion Crane, una secretaria que roba dinero y huye a un motel regentado por Norman Bates. La película es conocida por su famoso giro argumental en la ducha, que ha sido imitado y parodiado innumerables veces.

Otra de las películas más destacadas de Hitchcock es «Vértigo» (1958). Considerada por muchos críticos como su mejor obra, cuenta la historia de un detective retirado que sufre de acrofobia y es contratado para seguir a la esposa de un viejo amigo. El filme explora temas como la obsesión y el engaño, y se caracteriza por sus innovadoras técnicas cinematográficas, como el uso del zoom y los efectos visuales para representar la sensación de vértigo.

«Los pájaros» (1963) es otra de las películas icónicas de Hitchcock. En este thriller de terror, las aves se convierten en un enemigo mortal que ataca a los habitantes de una pequeña localidad costera. La película destaca por su atmósfera inquietante y su uso magistral de los efectos especiales, que logran transmitir la sensación de peligro y tensión constante.

Finalmente, «Rebeca» (1940) es otra de las obras maestras de Hitchcock. Basada en la novela de Daphne du Maurier, la película cuenta la historia de una joven ingenua que se casa con un aristócrata viudo y se muda a su mansión en Inglaterra. Sin embargo, la sombra de la fallecida esposa de Maxim de Winter, Rebeca, parece perseguir a la protagonista. «Rebeca» es una película que combina elementos del cine negro y el melodrama, y es conocida por su atmósfera opresiva y su final sorprendente.

La actriz española Ángela Molina recibe la Medalla de la Filmoteca de la Universidad Autónoma de México

El homenaje ha contado con la participación del gobierno de la Comunidad de Madrid. La consejera de Cultura, Marta Rivera de la Cruz no quiso faltar al homenaje de una de las mejores actrices de nuestro país.

El homenaje y la entrega de la medalla otorgada tuvo lugar dentro del foro MestizoLab, una iniciativa de la Fundación Casa de México y Minotauro Comunicación.

Trayectoria de Ángela Molina: toda una vida dedicada a la interpretación

Pocos dudan de la calidad de la actriz. Con una trayectoria impecable tanto en el cine como en la televisión , forma parte de una de las sagas de actores más famosas de nuestro país. José Luis Borau, Manuel Gutiérrez Aragón o Luis Buñuel son solo algunos de los directores que han contado con ella para sus películas. Gran premio de la crítica de Nueva York, Premio Nacional de Cinematografía o el Goya de Honor recibido en 2021, la certifican como uno de los iconos del cine español.

Sus interpretaciones en «Memoria de mis putas tristes» o la serie «Crónica de castas» son dos de los muchos papeles que la han hecho un hueco en la historia del cine y la televisión en México.

Actor y director, cuenta con una larguísima carrera. Gracias a Sergio Leone, protagonizó los westerns de culto «Un puñado de dólares» y El bueno, el malo y el feo . A esto le siguió una serie de películas de gran éxito protagonizadas por el inspector Harry Callaghan. Una vez detrás de la cámara, continuó su carrera como actor y firmó importantes títulos como El Gran Torino, Mystic River, Los puentes de Madison o Million Dollar Baby , por la que ganó cuatro Oscar y dos Globos de Oro en 2005.

Biografía de Clint Eastwood

Clint Eastwood, nació el 31 de mayo de 1930 en San Francisco, California, y es hoy un icono del cine internacional por algunas interpretaciones que se consideran clásicas, pero también por su excepcional capacidad como director. Eastwood proviene de una familia de clase trabajadora, y su infancia transcurrió siguiendo a sus padres mientras se trasladaban de un lado a otro en busca de trabajo. Después del instituto, el futuro director también realiza una serie de trabajos manuales. En 1950 es reclutado para la Guerra de Corea, pero un accidente aéreo le libró de estar en primera línea de batalla.

Todas las películas de Clint Eastwood

Películas donde Eastwood fue protagonista

» Cry Macho»
«Mula»
Sad Hill Unearthed (Desenterrando Sad Hill)»
» Milius «
«No digas no hasta que haya terminado de hablar: La historia de Richard D. Zanuck»
«Casting By»
«Golpe de efecto «
» Reel Injun»
» Gran Torino»
» Million Dollar Baby»
«Deuda de sangre»
» Space Cowboys»
«Ejecución inminente»
«Poder absoluto»
» Casper»
» Las cien y una noches «
«Los puentes de Madison»
» En la línea de fuego»
» Un mundo perfecto»
«Sin perdón»
«Cazador blanco, corazón negro»
» El principiante»
«El cadillac rosa»
» La lista negra»
» El sargento de hierro»
» El jinete pálido»
«Ciudad muy caliente»
«En la cuerda floja»
» Impacto súbito»
» El aventurero de medianoche»
» Firefox, el arma definitiva»
» Bronco Billy»
» La gran pelea»
» Fuga de Alcatraz «
«Duro de pelar»
«Ruta suicida»
» Harry, el ejecutor»
«El fuera de la ley»
» Harry, el ejecutor»
» Un botín de 500.000 dólares «
«Harry, el fuerte»
» Infierno de cobardes»
«Primavera en otoño»
» Joe Kidd «
«El seductor»
«Escalofrío en la noche»
«Harry, el sucio»
«Dos mulas y una mujer»
» Los violentos de Kelly «
» La leyenda de la ciudad sin nombre «
» Cometieron dos errores»
» El desafío de las águilas «
» El bueno, el feo y el malo «
» Las brujas «
» La muerte tenía un precio «
«Por un puñado de dólares»
«Duelo en el Atlántico Norte»
» Escapada en Japón»
» El último sol»
» Zafarrancho de combate»
» Tarántula»

Películas del Oeste protagonizadas por Clint Eastwood

«Por un puñado de dólares» de Sergio Leone

En la ciudad de San Miguel, en la frontera entre Estados Unidos y México, llega un misterioso pistolero solitario (Clint Eastwood) con un oscuro pasado. El país está controlado por dos familias rivales, los Rojo y los Morales, y el recién llegado jugará a dos bandas provocando el enfrentamiento entre si en beneficio propio.

Primer capítulo de la llamada «trilogía del dólar» (que también incluía Por unos dólares más , de 1965, y El bueno, el feo, el malo , de 1966)

La mirada penetrante del actor Clint Eastwood y las dulces partituras musicales de Ennio Morricone. Tras el mediocre El Coloso de Rodas(1961), Leone pasa al western, género que le consagrará como uno de los maestros absolutos del cine y consagrado por el denominado Spaguetti Western

«La muerte tenía un precio»

Un año más tarde, el director italiano acude de nuevo a Clint Eastwood y continuar con la saga. En esta ocasión Eastwood estará acompañado por actores de la talla de Lee Van Cleef. Dos cazadores de recompensas que unen sus fuerzas en busca de un mismo objetivo.

«El bueno, el feo y el malo

Sin duda alguna la película más famosa del genero. Con una actuación impecable, una trama perfecta y un elenco de actores que pocas veces un director a podido reunir.

«Dos mulas y una mujer»

Clint Eastwood, Shirley MacLaine, Manolo Fábregas, Alberton Morin y Armando Silvestre se ponen a las órdenes del director de Estados Unidos Don Siegel en 1970 para rodar «Dos mulas y una mujer.» Narra como en México ha estallado la guerra entre los seguidores de Juárez y las tropas francesas del emperador Maximiliano de Austria. Eastwood es un duro mercenario que salva a una monja del ataque de unos malhechores y emprenden juntos un accidentado viaje

«El fuera de la Ley»

Clint Eastwood dirige y protagoniza de nuevo en 1976 la cinta cuyo título original es The Outlaw Josey Wales. Le acompañan en el reparto Chief Dan George, Sondra Locke, John Vernon, Bill McKinney, Sam Bottoms y Paula Trueman. Se centra en un granjero que antes había sido soldado confederado y ahora vive en su granja junto a su esposa y a su hijo. Miembros de una guerrilla al servicio de los ejércitos de la Unión matan a su familia con lo que emprende su venganza, pero se convierte en un fugitivo.

Las películas de Clint Eastwood como director

La trayectoria firmada por CLint Eastwood como actor poco o nada tiene que envidiar a la realizada como director. Los éxitos obtenidos como director han sido notables e incluso más destacados a la de actor. Algunas de los mejores films como realizador son,

«El Sargento de Hierro»

Una película claramente dividida en dos partes. La primera, casi ridícula, nos hace encontrar a un Clint Eastwood por momentos incluso hilarante en el papel del sargento de hierro Gunny Highway, próximo a jubilarse; tomará bajo su mando a un puñado de marines muy “relajados” para convertirlos en auténticos soldados mediante un entrenamiento a base de insultos y durísimos ejercicios. Despreciado por los superiores e inicialmente, obviamente, por sus subordinados, Gunny es la máscara perfecta que permite a Eastwood burlarse de su fama de «duro»: una lengua afilada capaz de tener la última palabra en cualquier discursion, una fuerza interior y una actitud al mando que lo hacen invencible. Parece una caricatura pero no lo es. Gunny ahora es viejo y por eso parece fuera de lugar, nunca su ser tan anacrónico, ligado a virtudes ahora desaparecidas, no afecta su credibilidad. Y así, la película avanza rápidamente, animada por un hermoso guión (de James Karabatsos) y respaldada por una dirección sólida de Eastwood. 

«Los puentes de Madison»

Sin lugar a dudas, una de sus mejores películas como realizador. Dirigida y protagonizada por  Clint Eastwood  junto a  Meryl Streep . Ambientada en Iowa en la década de 1960, la película narra el amor fugaz entre el fotógrafo Robert Kincaid y Francesca Johnson, la esposa de un granjero. La película fue un gran éxito de público (con más de $ 180 millones ganados en todo el mundo) y la crítica.

«Million Dolar Baby»

Película dirigida y protagonizada por Eastwood en el año 2004. Protagonizada junto a la actriz Hillary Swank y Morgan Freeman trata desde el punto de vista más crudo el mundo del boxeo.

«Gran Torino»

Película estrenada en 2008, donde el genial actor interpreta a un veterano de guerra cascarrabias, Walt Kowalsky. Aislado, su vecino Thao entrará en su vida forjando una gran amistad que cambiará la vida de ambos.

Clint eastwood y la monja

Clint Eastwood y la monja es una película dirigida por Don Siegel en 1971. Eastwood interpreta el papel de «Harry Callahan», un inspector de policía conocido como «Dirty Harry» por sus métodos poco ortodoxos. En la película, Callahan se enfrenta a una serie de asesinatos cometidos por un francotirador en la ciudad de San Francisco.

La trama da un giro inesperado cuando Callahan se encuentra con una monja que presencia uno de los asesinatos. Interpretada por Patricia Clarkson, esta monja se convierte en una figura clave en la historia. A pesar de ser una mujer de fe y paz, la monja decide ayudar a Callahan en su búsqueda del asesino.

La relación entre Callahan y la monja es uno de los aspectos más interesantes de la película. A medida que avanzan en su investigación, se produce un choque de personalidades entre el rudo inspector y la mujer piadosa. Sin embargo, a pesar de sus diferencias, ambos personajes encuentran una conexión basada en su deseo de justicia y su determinación para detener al asesino.

Clint Eastwood brilla en su interpretación de Harry Callahan, un personaje icónico que se ha convertido en sinónimo de justicia implacable. Su actuación se complementa perfectamente con la de Patricia Clarkson, quien aporta una capa de vulnerabilidad a la película. Juntos, Eastwood y Clarkson crean una dinámica única que eleva la trama y mantiene al espectador enganchado hasta el final.

Joe kidd reparto

El reparto de la película «Joe Kidd» está compuesto por un elenco talentoso que logra capturar la esencia del salvaje oeste. Clint Eastwood, reconocido por sus papeles de hombres duros y audaces, interpreta al personaje principal, Joe Kidd. Con su presencia imponente y su habilidad para transmitir emociones a través de su actuación, Eastwood se convierte en el alma de la película.

Otro destacado miembro del reparto es Robert Duvall, quien da vida al personaje de Frank Harlan, un ranchero sin escrúpulos que se enfrenta a Joe Kidd. Duvall aporta su talento innato para crear personajes complejos y memorables, y su química en pantalla con Eastwood es palpable.

Además, la actriz británica John Saxon interpreta a Luis Chama, un líder rebelde mexicano que se enfrenta a Joe Kidd y Frank Harlan. Saxon aporta una presencia carismática y una intensidad que eleva cada escena en la que aparece.

Otro miembro destacado del reparto es Don Stroud, quien interpreta a Lamarr, un compañero de Joe Kidd que se une a su lucha contra los rancheros. Con su estilo único y su presencia enérgica, Stroud aporta una dosis extra de acción y emoción a la película.

En resumen, el reparto de «Joe Kidd» está compuesto por un grupo de actores talentosos que logran dar vida a personajes inolvidables. Clint Eastwood, Robert Duvall, John Saxon y Don Stroud se destacan en sus respectivos roles, creando una dinámica fascinante que captura la esencia del salvaje oeste. No te pierdas esta emocionante película llena de acción, drama y una buena dosis de intriga.

En qué año nació clint eastwood

Clint Eastwood nació el 31 de mayo de 1930 en San Francisco, California. Desde una edad temprana, mostró interés por el cine y la actuación, lo que lo llevó a seguir una carrera en la industria del entretenimiento.

A lo largo de los años, Eastwood se ha destacado como uno de los actores más icónicos de Hollywood. Su versatilidad y talento le han permitido interpretar una amplia gama de personajes, desde vaqueros rudos hasta detectives implacables.

Además de su exitosa carrera como actor, Eastwood también ha incursionado en la dirección y producción de películas. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos a lo largo de su carrera, incluyendo varios premios de la Academia.

A lo largo de los años, Clint Eastwood ha dejado una marca indeleble en la industria del cine. Su estilo distintivo y su carisma han cautivado a las audiencias de todo el mundo, convirtiéndolo en una verdadera leyenda de la pantalla grande.

Lauren Bacall ha sido un icono de belleza y elegancia desde los años 40, gracias a su altura, inusual para la época, su porte aristocrático, su mirada icónica y sus dos grandes ojos verdes que le dieron el apodo de «La Mirada».

A lo largo de su carrera, demostró su talento en diferentes géneros cinematográficos, interpretando numerosos papeles desde sus 20 años hasta finales de los 90, e incluso apareciendo en episodios de series de televisión como Los Soprano.

En 2009, Lauren recibió el Premio de la Academia a la Trayectoria en reconocimiento a su papel fundamental en la Edad de Oro del Cine.

Biografía y vida privada de Lauren Bacall

Lauren Bacall, seudónimo de Betty Joan Perske, nació el 16 de septiembre de 1924 en la ciudad de Nueva York y falleció de un derrame cerebral el 12 de agosto de 2014 a los 89 años. Sus padres eran inmigrantes judíos en Estados Unidos, su madre Natalie Weinstein, secretaria de Rumanía, y su padre Wulf Perske, vendedor ambulante de Polonia; este último dejó a su mujer y a su única hija poco después. Una curiosidad familiar: el político y estadista israelí Shimon Peres es primo de la futura diva.

Tras el divorcio de sus padres, eligió el apellido de su madre, Bacal, añadiendo posteriormente la «l» por razones lingüísticas; sin embargo, siempre le gustó el nombre de «Lauren». De niña, su sueño era ser bailarina, pero durante su adolescencia, Lauren se interesó por la interpretación, en particular por los actores del calibre de Leslie Howard. Tras estudiar en la Highland Manor School de Tarrytown y en la Julia Richmond High School de Nueva York, asistió ocasionalmente a la New York School of the Theatre y a la más prestigiosa American Academy of Dramatic Arts. Mientras tanto, comenzó a actuar en algunas producciones teatrales y se hizo un hueco en el mundo de la moda con su inconfundible belleza. Así comenzó su carrera como actriz en la gran pantalla, ya que, gracias a un primer plano en la revista Harper’s Bazaar, la esposa del director Howard Hawks se fijó en ella.

Lauren decidió contar su vida escribiendo dos autobiografías: I, Lauren Bacall (1974) y Now (1996) en las que no faltan anécdotas curiosas entre las que destaca, por ejemplo, que era vecina de John Lennon y que escuchó el disparo que provocó la muerte del cantautor de los Beatles.

En cuanto a su vida privada, aparte de su famosísimo matrimonio con Humphrey Bogart, Lauren estuvo casada con el también actor Jason Robards de 1961 a 1969 y ambos tuvieron un hijo, Sam Robards.

Lauren Bacall y Humphrey Bogart: Un amor de película

Lauren Bacall y Humphrey Bogart se conocieron en el rodaje de la primera película en la que participó la entonces tímida joven de 19 años. Él, veinticinco años mayor, casado por tercera vez con su colega Mayo Methot y recién llegado del enorme éxito de Casablanca, era ya un icono del cine, pero, a pesar de ello, en el plató intentaba calmar a Lauren con una dulzura poco común que los fue acercando poco a poco hasta el primer y romántico beso de buenas noches. Los dos amantes, pronto en el centro de las habladurías y en boca de todos por el escándalo, se casaron en 1945 y de su matrimonio nacieron dos hijos: Stephen (1949) y Leslie (1952). La pareja pasó años tranquilos, a menudo en compañía de sus amigos y colegas Katharine Hepburn (que sería la madrina de su último hijo) y Spencer Tracy, aunque Bogart siempre mantuvo una relación paralela con su peluquera y Lauren con el gran Frank Sinatra. La actriz declaró que, a pesar de todo, Humphrey Bogart era su mayor amor y permaneció junto a él hasta 1957, año de su muerte a los 58 años a causa de un cáncer de esófago.

Filmografía de Lauren Bacall. Sus mejores películas

Desde su debut en «Tener o no Tener» (1945), de Howard Hawks, en la que la jovencísima Lauren enamoró al actor principal Humphrey Bogart, en la película como en la vida, su carrera estuvo plagada de éxitos. El mismo director, un par de años más tarde, volvió a querer a los dos actores como protagonistas del famoso thriller, que ha pasado a formar parte de la historia del cine, «El sueño eterno» y, en los años siguientes, Lauren y Humphrey volvieron a estar juntos en el plató en las películas: La fuga (1947) y La isla del coral (1949). Antes de la muerte de su marido, que la obligó, debido al dolor por su terrible pérdida, a tomarse un descanso, interpretando sólo papeles menores en la década de 1960, Lauren se distinguió en varias películas, entre ellas Cómo casarse con un millonario (1953) con la emblemática Marilyn Monroe. En 1974, la actriz regresó a la gran pantalla, interpretando a una dama americana de lengua afilada en Asesinato en el Expreso de Oriente, basada en la novela de Agatha Christie del mismo nombre, junto a Ingrid Bergman y Sean Connery y, en 1976, interpretando a la viuda Bond Rogers en el western «El último Pistolero» con John Wayne.

Lauren nunca abandonó su pasión por el teatro y, paralelamente al cine, siempre ha pisado el escenario, consiguiendo numerosos éxitos, como en ¡Aplausos! por el que ganó el premio Tony a la mejor actriz principal en un musical.

Tras otro largo periodo en el que sus apariciones en el cine fueron escasas, desde los años 90 han sido numerosos los papeles en los que la ya madura Lauren Bacall se ha distinguido, entre ellos: una ex editora de moda en Prêt-à-porter (1994) y la madre de la protagonista y directora Barbra Streisand en «El amor tiene dos caras» (1996) por la que recibió un Globo de Oro y una nominación al Oscar como actriz de reparto. La última película en la que apareció Lauren antes de retirarse a la vida privada fue El falsificador (2012).

Todo sobre Lauren Bacall

Lauren bacall maridos

Lauren Bacall maridos fue una actriz estadounidense que estuvo casada en dos ocasiones. Su primer matrimonio fue con el también actor Humphrey Bogart, con quien contrajo matrimonio en 1945. Bacall y Bogart formaron una de las parejas más icónicas de Hollywood y tuvieron dos hijos juntos. Sin embargo, su matrimonio llegó a su fin en 1957, debido a la muerte prematura de Bogart a causa de un cáncer de esófago.

Más tarde, en 1961, Bacall se casó por segunda vez con el actor Jason Robards. Tuvieron un hijo juntos y su matrimonio duró hasta 1969, cuando se divorciaron debido a problemas de adicción de Robards. Bacall siempre fue muy discreta sobre sus relaciones y no reveló muchos detalles sobre su vida personal.

A lo largo de su vida, Bacall tuvo varios romances y relaciones con otros hombres famosos, como Frank Sinatra y Frank Capra. Sin embargo, ninguno de estos romances llegó a convertirse en un matrimonio. Bacall siempre mantuvo una imagen de mujer independiente y fuerte, tanto en su vida personal como en su carrera profesional.

A pesar de sus dos matrimonios fallidos, Bacall siempre fue una mujer admirada y respetada en la industria del cine. Ganó numerosos premios a lo largo de su carrera, incluyendo un premio Tony y un premio de la Academia. Su encanto y talento la convirtieron en una de las actrices más importantes de su generación.

Lauren bacall hijos

Lauren Bacall, la icónica actriz de cine, fue madre de dos hijos. Stephen Humphrey Bogart fue el primero, nacido el 6 de enero de 1949. Siguiendo los pasos de su famoso padre, Humphrey Bogart, Stephen también incursionó en la industria del cine, aunque principalmente como escritor y productor. A pesar de haber crecido en un ambiente de celebridades, Stephen ha sabido mantener una vida privada alejada de los reflectores.

El segundo hijo de Lauren Bacall fue Sam Robards, nacido el 16 de diciembre de 1961. Al igual que su madre, Sam se dedicó a la actuación y ha participado en numerosas películas y series de televisión a lo largo de su carrera. Aunque no alcanzó la misma fama que su madre, Sam ha demostrado su talento en cada uno de sus proyectos.

Ambos hijos de Bacall han seguido los pasos de sus padres en la industria del entretenimiento. Sin embargo, han logrado forjar sus propias carreras y mantener su privacidad. A pesar de haber nacido en el seno de una familia famosa, tanto Stephen como Sam han sabido equilibrar su vida personal y profesional de manera admirable.

Lauren Bacall siempre estuvo orgullosa de sus hijos y los apoyó en cada una de sus decisiones. A pesar de su agitada vida profesional, siempre encontró tiempo para estar presente en los momentos importantes de la vida de sus hijos. Su amor y dedicación hacia ellos era evidente, y se refleja en la exitosa trayectoria que ambos han construido.

Lauren Bacall dejó un legado imborrable en la industria del cine, pero también en la vida de sus hijos. Aunque su amor por Frank Sinatra fue imposible, el amor y el apoyo que brindó a Stephen y Sam fue incondicional. Hoy en día, ambos continúan honrando la memoria de su madre a través de su trabajo y llevando consigo el legado de una de las actrices más emblemáticas de todos los tiempos.

Fundador del Festival de Sundande junto a su amigo y director de cine Sidney Pollack. Ganador de dos Oscar´s, interpretó obras maestras junto a su amigo Paul Newman. Aun en activo, pasará a la historia del cine como uno de los grandes.

Robert Redford: La biografía de un rebelde

Siempre apartado de los focos de Hollywood, siempre ha sabido marcar la diferencia. Su sobriedad y su elegancia así lo demuestran. Hijo de un lechero de origen irlandés y de una ama de casa. Con dotes creativas claras, abandonó la universidad para dedicarse a la pintura.

Los Comienzos de Redford: El Teatro de Broadway

Fue en los años 60 donde Robert Redford comenzó su carrera como actor. Los primeros papeles del actor fueron en los teatros de Broadway. El teatro y algunas apariciones en la televisión forjaron el actor que hoy conocemos.

La primera gran oportunidad en el mundo del cine, le llego en 1965. Junto a su amiga de la Universidad, Natalie Wood, protagonizó «El extraño mundo de Daisy Clover». La película, le permitió ganar el globo de oro como «Nueva Estrella del Año»

Robert Redford y Sidney Pollack

Rubio, de ojos azules y con un físico poderoso, los grandes de Hollywood se dieron cuenta enseguida del atractivo físico del joven actor y se le rifaban, ofreciéndole infinidad de películas.  Pero Redford optó por comprometerse con su amigo Sydney Pollack, al que había conocido en 1961 en el plató de la serie de televisión «Alfred Hitchcock Presenta…».

Es el primer trabajo de la pareja Redford-Pollack, que a lo largo de los años dará al público grandes películas. En 1967, protagonizó junto a otra estrella del cine, Jane Fonda, la comedia sentimental «Descalzos por el parque».

Wood y Fonda son sólo las primeras de las muchas mujeres hermosas que se encontrarán trabajando con Redford: le seguirán Meryl Streep, Glenn Close, Charlotte Rempling, pero también Daryl Hannah, Demi Moore hasta Scarlett Johansson.

Robert Redford y Paul Newman

En 1969 conoció al que sería su compañero de películas de éxito y con el que compartiría el amor de sus fans, el carismático Paul Newman, con el que protagonizó ‘Butch Cassidy’. Una encantadora y talentosa Barbra Streisand le acompañó en «Tal como éramos» (1973), de nuevo dirigida por Sydney Pollack. Redford entró así en el firmamento de las grandes estrellas de Hollywood.

También en 1973, el dúo Redford-Newman dio la campanada con «El Golpe«, que ganó siete Oscars y dio a Redford su primera nominación, quedando también en la mente de todos por su inolvidable banda sonora. Al año siguiente, con «El gran Gatsby», basada en la novela de Francis Scott Fitzgerald, el rubio actor se trasladó a la América de los años 20. En 1975, Redford volvió a ser dirigido por Pollack en la película política «Los tres días del cóndor», una historia de espionaje con el telón de fondo del Nueva York contemporáneo, pero también un análisis de la labor más o menos correcta y controlada del Servicio Secreto.

Robert Redford: ‘Todos los hombres del presidente’ y ‘Brubaker’, sus mejores películas

Al año siguiente, dirigido por Alan J. Pakula, protagonizó «Todos los hombres del presidente» con Dustin Hoffman. La película, que recibió seis nominaciones, narra magníficamente la intriga política del Watergate revelada por los periodistas del Washington Post. Un escándalo que abrumó al presidente Nixon, que se vio obligado a dimitir.

En 1979 se produjo la reforma de la pareja ganadora Redford-Pollack, a la que se unió Jane Fonda en «El caballero eléctrico», pero es la siguiente «Brubaker» (1980) la que es considerada por la crítica como una de las mejores películas de toda la carrera de Redford, aquí como un criminólogo destinado a dirigir uno de los centros penitenciarios más duros de Estados Unidos.

Robert Redford: su faceta como director

En 1980, Redford inició su carrera de director, llevando a la pantalla una historia familiar de crisis, separaciones y rupturas con «Ordinary People», basada en la novela de Judith Guest, en la que dirigió a Donald Sutherland, Mary Tyler Moore, Timothy Hutton y Elisabeth McGovern.

El debut detrás de la cámara no pudo ser mejor. La película ganó dos Globos de Oro y dio al nuevo director dos estatuillas: Mejor Película y Mejor Director. En 1984 Redford formó equipo con Glenn Close en «The Best», mientras que 1985 fue el año del fin de su matrimonio pero también el de su triunfo en la espléndida obra de Sydney Pollack «Memorias de África» con Meryl Streep.

Después de «Memorias de África», la asociación con Pollack se ha vuelto indisoluble y es sinónimo de garantía

La conmovedora historia de amor entre la escritora danesa Karen Blixen y el encantador Denis Fynch-Hutton encantó al público y los premios de la Academia le otorgaron siete Oscar, entre ellos el de mejor película, mejor director y mejor banda sonora, por la música que realzaba la belleza salvaje de Kenia.

A finales de los 80 y principios de los 90, Redford alternó la actuación y la dirección y, tras «Peligrosamente juntos» (1986) con Daryl Hannah, dirigió a Christopher Walken en «Milagro» (1988). Dos años después volvió a trabajar con Pollack en «La Habana» (1990), a la que siguió la dirección de «En medio del río» (1992) con Brad Pitt. Ese mismo año protagonizó junto a Sydney Poiters «Los estafadores» y al año siguiente junto a Demi Moore «Propuesta indecente» (1993) de Adrian Lyne, una película vetada por la crítica. En 1994 llegó su segunda nominación al Oscar como mejor director por «Quiz Show».

La bella Michelle Pfeiffer fue su compañera en «Algo personal» (1996), mientras que en 1998 protagonizó y dirigió el reparto de la romántica «Elhombre que susurraba a los  caballos» con Sam Neill, Kristin Scott Thomas y una jovencísima Scarlett Johansson. En el año 2000 volvió a ponerse detrás de la cámara con «La leyenda de Bagger Vance» y en 2001 se unió a Brad Pitt en «Juegos de espías», de Tony Scott. Redford vuelve a ser un agente de la CIA al final de una carrera llevada a cabo con frialdad y cinismo, que decide volver al juego para liberar a un compañero que, de otro modo, estaría abandonado a su suerte.

Creador y fundador del Festival de Cine de Sundance, que desde 1990 promueve y patrocina el cine independiente e innovador, Redford es una estrella indiscutible del cine mundial, multipremiada y admirada.

Pelicula robert redford y demi moore

Una de las películas más destacadas en la carrera de Robert Redford y Demi Moore es «Propuesta Indecente». Esta película, estrenada en 1993, cuenta la historia de un matrimonio en crisis que se ve tentado por una millonaria propuesta. Redford interpreta al seductor millonario que ofrece una gran suma de dinero a la pareja a cambio de una noche con la esposa, interpretada por Moore. La película fue un éxito de taquilla y generó controversia debido a su temática provocativa.

Otra colaboración entre Redford y Moore fue en la película «El Hombre que Susurraba a los Caballos», estrenada en 1998. En esta película, Redford interpreta a un experto en doma de caballos que intenta ayudar a una mujer, interpretada por Moore, a superar la muerte traumática de su hija. La película recibió críticas mixtas, pero fue elogiada por la actuación de ambos protagonistas y por su hermosa cinematografía.

En 2015, Redford y Moore volvieron a trabajar juntos en la película «Truth: El Precio de la Verdad». En esta película, basada en hechos reales, Redford interpreta al periodista Dan Rather y Moore interpreta a su productora Mary Mapes. La película cuenta la historia del escándalo que llevó a la renuncia de Rather y Mapes de la cadena CBS News. Aunque la película recibió críticas mixtas, las actuaciones de Redford y Moore fueron elogiadas por su realismo y química en pantalla.

En resumen, las colaboraciones entre Robert Redford y Demi Moore han dado lugar a películas memorables y han demostrado la versatilidad y talento de ambos actores. Desde el drama romántico de «Propuesta Indecente» hasta el emocionante thriller político de «Truth: El Precio de la Verdad», estas películas han dejado una huella en la industria cinematográfica y en los corazones de los espectadores.

Robert redford pareja actual

Robert Redford es un reconocido actor, director y productor de cine estadounidense. A lo largo de su carrera, ha protagonizado numerosas películas que se han convertido en clásicos del cine. Pero, además de su talento en la pantalla grande, Redford también es conocido por su vida personal. En la actualidad, tiene una pareja estable con la que comparte su vida.

La pareja actual de Robert Redford es Sibylle Szaggars. Szaggars es una reconocida artista plástica de origen alemana. Se conocieron en un evento de arte en 1995 y desde entonces han sido inseparables. Aunque Redford ha estado casado anteriormente, actualmente está en una relación estable y feliz con Szaggars.

Szaggars ha sido una gran influencia en la vida y carrera de Redford. Ella ha inspirado al actor a explorar otras formas de expresión artística, como la pintura y la escultura. Además, Szaggars ha trabajado junto a Redford en proyectos relacionados con su fundación, que se dedica a la protección del medio ambiente y la promoción del arte.

La relación entre Redford y Szaggars es un ejemplo de amor duradero. A pesar de los altibajos que puedan haber enfrentado a lo largo de los años, han logrado mantener una relación sólida y comprometida. Ambos comparten intereses y valores similares, lo que ha sido fundamental para su relación.

Redford y Szaggars disfrutan de una vida tranquila y alejada de los focos mediáticos. Aunque ambos son figuras públicas, han logrado mantener su vida personal en privado. Prefieren dedicar su tiempo a su familia y proyectos personales, en lugar de estar constantemente en el ojo público.

¿En que consistió el movimiento cinematográfico?, ¿Cuáles son  sus principales características estéticas?, ¿Cuáles son  las películas y los cineastas más importantes?, ¿Qué influencia ha tenido en el cine actual o contemporáneo?

El expresionismo alemán es uno de los estilos más reconocidos del cine mudo, aunque a veces es difícil de definir. El movimiento expresionista en las artes fue algo que surgió en la poesía y la pintura a principios del siglo XX, influyendo también en el teatro, la arquitectura y, por supuesto, el cine, sobre todo después de la Primera Guerra Mundial (1914 a 1918).

El expresionismo  buscaba una representación subjetiva del mundo, capaz de revelar la angustia de la existencia humana a través de imágenes distorsionadas, alejadas de la realidad y que recuerdan a las pesadillas. Estos conceptos tienen su origen, en parte, en el romanticismo alemán.

Con su uso de las sombras y los contrastes, las historias que tratan temas inquietantes, así como los decorados, el maquillaje y el vestuario exagerados, el cine mudo alemán de los años veinte sentó las bases de dos grandes géneros del cine moderno: el cine de terror y el cine negro.

¿En que consistió el expresionismo alemán?

 

El expresionismo alemán consistió en una serie de movimientos creativos en Alemania en  la Primera Guerra Mundial, que alcanzó su punto álgido en Berlín en la década de 1920. Estos hechos se inscriben en una corriente expresionista más amplia que se estaba imponiendo en la cultura europea de la época, que se caracterizaba básicamente por el rechazo a las convenciones occidentales, mostrando la realidad de forma extremadamente distorsionada para conseguir un impacto emocional.

Muy influenciados por artistas plásticos como Vincent van Gogh, Edvard Munch y El Greco, los expresionistas no se preocupaban tanto por producir composiciones estéticamente agradables como por generar reacciones profundas en el público a través de contrastes, ángulos y formas abruptas. En su esencia, el movimiento exploraba la relación entre el arte y la sociedad, abarcando numerosos campos, incluido el cine.

Al igual que la pintura expresionista, las películas de este periodo pretendían abordar las experiencias personales y subjetivas de los seres humanos. En el cine, esta característica se asocia más particularmente con decorados irreales, ángulos profundos y sombras impactantes, para intensificar la atmósfera de la película.

Para compensar la falta de grandes presupuestos, las primeras películas expresionistas utilizaban decorados poco realistas, con dibujos pintados en las paredes y el suelo para representar luces, sombras y objetos. Los relatos y las narraciones trataban generalmente de la locura, la demencia, la traición y otros temas existenciales puestos de manifiesto por las experiencias traumáticas de la Primera Guerra Mundial.

El antirrealismo extremo del Expresionismo fue efímero y se disipó al cabo de pocos años. Sin embargo, los temas del movimiento se mantuvieron, de forma algo más sutil, en las películas producidas en los años posteriores, entre las décadas de 1920 y 1930.

Esta escuela cinematográfica oscura y melancólica acabó llegando a Estados Unidos más tarde, cuando los nazis ganaron el poder y muchos cineastas alemanes se vieron obligados a emigrar a Hollywood. Estos artistas se dieron cuenta de que los estudios estadounidenses estaban dispuestos a acogerlos, y varios directores y camarógrafos alemanes encontraron allí el éxito, produciendo películas de Hollywood que impactaron en todo el cine.

Orígenes del expresionismo alemán en el cine

El cine expresionista se originó en suelo alemán en un momento histórico de relativo aislamiento del país. En 1916, el gobierno prohibió la exhibición de películas extranjeras en el país. A partir de entonces, la demanda de los cines de más películas hizo que aumentara la producción nacional, que ganó popularidad y pasó de 24 películas al año en 1914 a 130 en 1918.

Este nuevo estilo no tardó en ganarse al público de otros países. A principios de los años 20, varios cineastas ya experimentaban con la atrevida estética del cine alemán. El público europeo también empezó a apreciar este estilo, en parte debido a la disminución del sentimiento anti alemán que reinaba en Europa con el fin de la Primera Guerra Mundial. Cuando cesó la prohibición de importar películas en Alemania, el cine nacional se había convertido en una industria internacional.

El movimiento terminó después de que la moneda se estabilizara, lo que abarató la compra de películas extranjeras. Los estudios Universum Film AG (UFA) se hundieron financieramente y los productores alemanes comenzaron a comerciar con los italianos. El poderío estadounidense en la industria cinematográfica también llevó a algunos cineastas alemanes a continuar su carrera en Estados Unidos. La última película de la UFA fue El ángel azul (Der Blaue Engel), de Josef von Sternberg, en 1930, considerada una obra de arte exponente del expresionismo alemán.

Las características estéticas propuestas por los cineastas expresionistas en Alemania fueron bien aceptadas durante la República de Weimar (1919 a 1933), el periodo democrático anterior a la ocupación nazi, pero poco a poco se fueron diluyendo y mezclando con otros enfoques y estilos visuales. Esta variante del expresionismo perduró durante muchas décadas posteriores, por ejemplo, en los ángulos agudos y los juegos de sombras del cine negro.

Características estéticas del expresionismo alemán en el cine

El cine expresionista, que floreció en medio de los horrores de la guerra y de la devastación económica que asoló a Alemania a partir de entonces, buscaba expresiones viscerales de la emoción y hacía caso omiso de las reglas de composición y representación. Aunque fue un movimiento surgido del mismo clima cultural que dio lugar al nazismo, los expresionistas fueron un grupo de rebeldes que predicaban valores artísticos como la abstracción y el antagonismo a la tradición, unidos a una necesidad casi obsesiva de expresar sus sentimientos, lo que les llevó a denominarse a sí mismos como los «adolescentes apocalípticos».

Muchos críticos ven una relación directa entre el cine y la arquitectura de la época, ya que los decorados y la dirección artística de las películas solían mostrar edificios con ángulos agudos y entornos grandiosos y visualmente sobrecargados, como la Torre de Babel en Metrópolis de Fritz Lang. Fuertes elementos de monumentalismo y modernismo aparecen en las películas canónicas del expresionismo alemán, como la propia Metrópolis, en la que la arquitectura se presenta de forma masiva y a menudo opresiva.

Los pintores expresionistas alemanes que inspiraron el expresionismo en el cine rechazaron la representación naturalista de una realidad objetiva. Representaban figuras humanas, edificios y paisajes de forma distorsionada y estilizada, sin preocuparse demasiado por las convenciones de la perspectiva o la proporción, para desorientar al espectador. Este enfoque se utilizó para transmitir emociones internas y subjetivas a través de herramientas externas y objetivas.

El principal ejemplo del estilo visual expresionista es la atmósfera onírica de la película «El gabinete del doctor Caligari», reconocida como uno de los hitos del cine expresionista. Hermann Warm, el director artístico de la película, trabajó con los pintores y directores de arte Walter Reimann y Walter Röhrig para crear fantásticos decorados de pesadilla con criaturas retorcidas y paisajes de formas afiladas y líneas oblicuas. Algunos de estos dibujos fueron construidos, otros pintados directamente sobre el lienzo.

Las películas expresionistas alemanas no sólo sintetizan el contexto sociopolítico en el que fueron creadas, sino que también trabajaron sobre problemas intrínsecamente modernos de autoaceptación e identidad, expresando algo de lo que ocurría en la conciencia colectiva de la época.

El cine expresionista sigue marcado por sus decorados y actuaciones extremadamente estilizados, sus visuales muy contrastados y su montaje sencillo. La mayoría de ellas se rodaron en estudios, donde se podía utilizar una iluminación y unos ángulos de cámara deliberadamente exagerados y dramáticos para enfatizar algún aspecto concreto de los personajes: miedo, horror, dolor, etc. Algunas de las técnicas expresionistas fueron adaptadas posteriormente por los directores estadounidenses e incorporadas a muchas películas de Hollywood.

Principales películas del expresionismo alemán

El gabinete del Dr. Caligari

Entre las películas más emblemáticas del expresionismo alemán, cabe mencionar sin duda El gabinete del Dr. Caligari (Das Cabinet des Dr. Caligari), de 1920, dirigida por Robert Wiene. La película es famosa por su atmósfera desgarradora y su macabra historia, en la que el personaje de Francis intenta resolver una serie de asesinatos que sospecha que son obra de un hipnotizador, el Dr. Caligari, y de su compañero sonámbulo, Cesare.

Nosferatu

Otra película muy representativa del movimiento fue Nosferatu (1922) de F.W. Murnau. Murnau. Aunque utilizó varias localizaciones reales, algo inusual en las películas de la época, la película desarrolla la desesperación y la angustia de forma creciente y aterradora. El director convierte lo familiar en algo extraño, dando toques expresionistas a paisajes de la vida real, lo que transporta gradualmente al espectador de la realidad a la pesadilla.

Metrópolis

Metrópolis (1927), de Fritz Lang, también se considera una de las películas más famosas del expresionismo y del cine mudo en su conjunto. El largometraje mezcla elementos góticos con una estética futurista que todavía hoy inspira el género de la ciencia ficción. Su visión extremista de una sociedad impulsada por la lucha de clases, con los ricos viviendo en la cima brillante de la ciudad y los pobres abajo en las sombras.

M, El Vampiro de Düsseldorf

Otra película de Fritz Lang, conocido sobre todo por sus ideas atrevidas, esta vez se inspira en un caso real de un secuestrador de niños para establecer de nuevo un paralelismo con la realidad dentro del expresionismo. La crítica se centró en la criminalidad y las disputas por el poder dentro de la República de Weimar, pero esta inserción de la realidad no fue la única novedad: M, el vampiro de Düsseldorf es también la primera película con sonido del director.

El hombre que ríe

Pasando al otro lado del mar, El hombre que ríe fue posiblemente la película expresionista americana más importante de la época. Dirigida por el alemán Paul Leni, la película adapta la novela homónima de Victor Hugo en la que un joven es condenado a reír para siempre. La película destacó por la macabra caracterización del personaje principal con una sonrisa perennemente extraña que, unida a la fuerte estética expresionista, hace que la película esté siempre aliada con el terror aunque esté mucho más cerca de la construcción de un melodrama.

El legado del expresionismo alemán para el cine

El cine expresionista alemán de los años 20 defendía la premisa de que el cine se convierte en arte en la medida en que sus imágenes se alejan de la realidad. Esta particular interpretación acabó influyendo en algunos de los cineastas más relevantes del siglo XX. El estilo seminal del Expresionismo consiguió transponer en imágenes el sentimiento popular de un periodo turbulento de la historia europea, dando lugar a poderosas obras con una mirada reveladora de la sociedad de la época, expresando toda la desilusión, la desconfianza y el aislamiento a los que se enfrentaba el pueblo alemán.

El cine mudo alemán estaba muy por delante de lo que se producía en Hollywood en el mismo periodo. En cierto modo, el cine de todo el mundo se benefició del desarrollo de este estilo y de las nuevas técnicas, que se hicieron cada vez más visibles en la pantalla. La estética expresionista sigue siendo incorporada por los cineastas y directores de fotografía contemporáneos.

En el ámbito de las bellas artes, el ruso Wassily Kandinsky fue uno de los pintores más inspirados por el expresionismo. Lo mismo puede decirse del escritor Franz Kafka, en literatura, y del compositor austriaco Arnold Schoenberg, en música. En el cine, hubo dos géneros especialmente influenciados: el cine de terror y el cine negro.

Inspirado por el movimiento expresionista, el fundador de los estudios Universal, Carl Laemmle, se hizo famoso por producir películas de terror para el cine mudo norteamericano, como El fantasma de la ópera, en 1925. Cineastas estadounidenses de origen alemán, como Karl Freund (que fue director de fotografía de Drácula en 1931), ayudaron a definir la atmósfera de las películas de monstruos producidas por Universal en los años treinta. Con sus peculiares características de dirección de arte y fotografía, estos profesionales crearon un modelo estilístico para las generaciones futuras.

En 1924, el joven Alfred Hitchcock fue enviado a trabajar en El guardián negro (Die Prinzessin und der Geiger) como ayudante de dirección y director artístico de los estudios UFA de Berlín. El efecto inmediato de este entorno de trabajo puede verse en su diseño de decorados para este largometraje. El expresionismo alemán influyó en el director a lo largo de su carrera, al igual que el cine de Hitchcock influyó en varios otros cineastas modernos.

En su tercera película, The Lodger: A Story of the London Fog, de 1927, Hitchcock introdujo al público en atrevidas técnicas de iluminación y trucos de cámara, en contra de los deseos del estudio. Esta influencia expresionista también puede verse en la exitosa Psicosis de 1960, en la que la imagen borrosa del asesino, vista a través de una cortina de baño, recuerda a Nosferatu en la escena en la que el vampiro se muestra a través de una sombra.

En la década de 1940, directores como Fritz Lang, Billy Wilder, Otto Preminger, Orson Welles, Carol Reed y Michael Curtiz introdujeron el estilo expresionista en los dramas estadounidenses, ampliando la influencia del movimiento en el cine moderno.

El expresionismo en el cine actual

Los elementos estilísticos empleados del expresionismo son comunes hoy en día en las obras de ciencia ficción; por ejemplo, Blade Runner, de Ridley Scott, estrenada en 1982 y visiblemente influida por Metrópolis; y Sombras y niebla, de Woody Allen, de 1991, un homenaje a los cineastas expresionistas Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst y F.W. Murnau.

El estilo también puede verse en la filmografía del director Tim Burton. Batman: El regreso (Batman Returns), de 1992, suele citarse como un intento moderno de capturar la esencia del expresionismo alemán. Las formas angulosas de los edificios y el aspecto agresivo de Gotham City evocan la hostilidad y la amenaza presentes en Metrópolis. Además, El gabinete del Dr. Caligari sirvió de inspiración para el aspecto grotesco del Pingüino, interpretado por Danny DeVito.

Las influencias expresionistas de Burton son aún más evidentes en el cuento moderno Eduardo Manostijeras . El protagonista es una referencia al criado sonámbulo de Caligari. Burton provoca incomodidad con los ambientes de la película, desde el colorido suburbio hasta el castillo gótico del protagonista. A su manera, el director subvierte la pesadilla de Caligari con una narrativa sorprendentemente inspirada, presentando al forastero como héroe y a los aldeanos como villanos.

Películas expresionistas actuales

En la actualidad, el cine sigue explorando el género del expresionismo alemán, adaptándolo a las nuevas tendencias y tecnologías. Las películas expresionistas actuales han logrado capturar la esencia del movimiento artístico de principios del siglo XX, a través de su uso innovador de la luz, la sombra y la composición visual.

Una de las películas más destacadas en este sentido es «Sin City» (2005), dirigida por Robert Rodriguez y Frank Miller. Esta película se basa en la novela gráfica de Miller y se caracteriza por su estética oscura y contrastada. El uso de la iluminación expresionista y los tonos saturados crea una atmósfera única y evocadora que transporta al espectador a un mundo de violencia y corrupción.

Otra película que merece mención es «El laberinto del fauno» (2006), dirigida por Guillermo del Toro. Aunque no es una película expresionista en su totalidad, contiene elementos del género en su representación de la fantasía y el horror. El uso de la simbología, los colores intensos y las composiciones visuales evocadoras crean una experiencia cinematográfica inmersiva y emocional.

En «El gran hotel Budapest» (2014), dirigida por Wes Anderson, se aprecia una clara influencia del expresionismo alemán en la dirección artística. La película presenta escenarios y personajes exagerados, así como una paleta de colores vibrante y contrastada. Estos elementos visuales contribuyen a la atmósfera cómica y surrealista de la película.

Finalmente, «La forma del agua» (2017), dirigida por Guillermo del Toro, también se inspira en el expresionismo alemán en su representación visual de la fantasía y el romance. El uso del contraste entre la luz y la sombra, así como la paleta de colores fríos y oscuros, crea una atmósfera misteriosa y emocional que se asemeja a las películas expresionistas clásicas.

Dispones de Netflix??? Pues seguro que no sabes que la famosa plataforma, no solo tiene las últimas series del momento y muchos estrenos de cine. También, puedes encontrar grandes clásicos del cine. Hoy, hablamos del tiburón. El tiburón de Steven Spielberg

Asimismo, también puedes encontrar,  Tiburón 2 (1978), Tiburón 3 (1983), e incluso Tiburón 4 La venganza, una de las tramas más criticadas de la serie.

El arquetipo de la superproducción moderna, el estreno en cines de Tiburón, el 20 de junio de 1975, no sólo fue el mayor éxito del verano de todo el año, sino también la película más taquillera de la historia en ese momento.

Steven Spielberg había demostrado buenas dotes de director hasta ese momento, con dos buenas películas a sus espaldas, pero el éxito de público y crítica que consiguió con Tiburón le envió directamente al Olimpo de los directores. Para entender las razones de este éxito, para introducirse en la película o para compararla con los temas explorados, recomendamos seguir este análisis.

Tiburón: El argumento

«Tiburón» comienza en la tranquila isla de Amity mientras se prepara la temporada de verano. El turismo se hace especialmente intenso en torno al 4 de julio, fiesta nacional. Sin embargo, la aparente serenidad empieza a verse perturbada por la posible presencia de un tiburón. Su presencia es negada por las autoridades locales, preocupadas por las consecuencias económicas del cierre de las playas.

Varios ataques en las playas hacen que el jefe de policía Martin Brody (Roy Scheider) reclute a un biólogo marino, Matt Hooper (Richard Dreyfuss), y al cazador de tiburones local Quint (Robert Shaw) para buscar y matar al tiburón. Pero la misión no será tan sencilla como parece a primera vista.

Tiburón: La película sobre la guerra entre el hombre y la naturaleza

La pacífica situación inicial de una fiesta alegre muestra una fase de reconciliación entre los habitantes de la isla y su entorno. El equilibrio pronto se rompe, lo que lleva a los habitantes y a los turistas a dudar de que puedan vivir con normalidad.

En la primera hora, la película Tiburón muestra la negación más típica: las autoridades locales, demasiado interesadas en el desarrollo económico del turismo, se niegan a creer que se trata de un gran tiburón blanco. Incluso los propios pescadores y habitantes no quieren perder la armonía y la serenidad del verano. Sólo el jefe de policía Martin Brody, sintiéndose responsable de la seguridad del pueblo, lucha para que se tomen las medidas necesarias, incluso a costa del bienestar de la gente y de la localidad.

Cuando la presencia del animal  se hace evidente para todos, el equipo dispuesto a eliminarlo muestra un choque social más humano: el joven Matt Hooper es el hijo de la acomodada sociedad neoyorquina, mientras que el anciano Quint representa al elemento humilde y obrero de la isla. Para mediar, el hombre común y corriente: el jefe de policía Martin Brody.

Las diferencias sociales pronto palidecen y se desvanecen ante la enormidad del tiburón: el miedo une a los tres hombres ante el poder abrumador del reino natural y salvaje. A partir de aquí, la obra se inspira en gran medida en Moby Dick, de Herman Melville, sustituyendo la famosa ballena blanca perseguida por el capitán Ahab por un animal aún más feroz, verdadero protagonista de la historia, en su gran fuerza.

El choque caracteriza la historia de la humanidad, con enormes sacrificios y una gran dosis de miedo ancestral despertado por la más poderosa de las sensaciones: la impotencia ante los acontecimientos naturales.

La mecánica del miedo en  Tiburón: Como se rodó la escena final

Hasta la larga escena final del enfrentamiento, el feroz animal no aparece. La grandeza de la película radica precisamente aquí: en el lento desentrañamiento que se produce desde un nivel perceptivo inicial de duda o perturbación de la normalidad, hasta el paso a la certeza cerebral del peligro, que se manifiesta en la emoción humana más antigua: el miedo.

La mundialmente famosa banda sonora (así como el montaje y la banda sonora) de John Williams es un vector único e inconfundible para ponernos los pelos de punta durante toda la película.

Para Tiburón, Steven Spielberg supo reunir y mezclar todos los  elementos  que hacen del montaje de una película, una obra maestra.

 

Donde se rodo tiburon

Tiburón es una película icónica dirigida por Steven Spielberg que aún hoy en día sigue asustando a los espectadores. El rodaje de esta película tuvo lugar en la isla de Martha’s Vineyard, ubicada en Massachusetts, Estados Unidos.

Martha’s Vineyard fue elegida como el escenario perfecto para retratar la ficticia isla de Amity, donde se desarrolla la trama de la película. La isla proporcionó un entorno idílico con sus hermosas playas y un ambiente costero pintoresco, lo que la convirtió en el lugar ideal para recrear la atmósfera de la película.

Gran parte de la filmación tuvo lugar en el océano Atlántico, donde se utilizaron diversas técnicas para crear la ilusión de un tiburón acechando en las aguas. Spielberg y su equipo se enfrentaron a varios desafíos durante el rodaje en el mar, incluyendo problemas con la mecánica del tiburón animatrónico, que a menudo fallaba y retrasaba la producción.

Además del océano, también se utilizaron otros lugares en Martha’s Vineyard para filmar escenas clave de la película. Entre ellos se encuentra el famoso puente Jaws, que fue construido específicamente para la película y se convirtió en un ícono reconocible de la misma. Otros lugares notables incluyen el puerto de Menemsha y varias playas de la isla.

En resumen, Tiburón fue filmada en la hermosa isla de Martha’s Vineyard, Massachusetts, utilizando el océano Atlántico como escenario principal. El equipo de producción enfrentó numerosos desafíos durante el rodaje, pero logró crear una película que ha dejado una marca perdurable en la historia del cine de terror.

Como se rodo tiburon

Tiburón: La película de Spielberg que todavía asusta

Steven Spielberg es uno de los directores más reconocidos de la historia del cine, y su película «Tiburón» es una de las más emblemáticas de su carrera. El filme, estrenado en 1975, es considerado uno de los mayores clásicos del cine de terror y sigue siendo capaz de generar tensión y miedo en el público hasta el día de hoy.

El rodaje de «Tiburón» no estuvo exento de dificultades. La película se filmó en la isla de Martha’s Vineyard, en Massachusetts, y Spielberg se enfrentó a numerosos problemas logísticos. Uno de los mayores desafíos fue la construcción del tiburón mecánico que sería utilizado en las escenas de ataque. Este mecanismo, apodado cariñosamente como «Bruce» por el equipo de producción, presentó constantes fallas técnicas que retrasaron el rodaje y pusieron a prueba la paciencia del director.

A pesar de los inconvenientes, Spielberg supo aprovechar las dificultades a su favor. Al no poder mostrar completamente al tiburón en varias escenas debido a los problemas técnicos, el director optó por utilizar la música y la tensión narrativa para crear una atmósfera de miedo y suspense. La icónica melodía compuesta por John Williams se ha convertido en uno de los leitmotivs más reconocibles de la historia del cine, y la falta de visibilidad del tiburón solo aumentó la tensión y el impacto de las escenas de ataque.

Otro aspecto destacado del rodaje de «Tiburón» fue la participación del actor Robert Shaw, quien interpretó al cazador de tiburones Quint. Shaw, conocido por su intensidad y carisma en pantalla, se involucró de lleno en su personaje y aportó gran parte del carácter y la intensidad que se puede apreciar en la película final. Su actuación se ha convertido en una de las más recordadas de su carrera y contribuyó en gran medida al éxito del filme.

En resumen, el rodaje de «Tiburón» fue un desafío para Spielberg y su equipo, pero lograron superar todas las dificultades y entregar una película que se ha convertido en un clásico del cine de terror. La combinación de una dirección magistral, una música inolvidable y actuaciones destacadas hacen de esta película una experiencia aterradora y emocionante que sigue asustando a las audiencias en la actualidad.

¿Cuál fue el aporte de Charles Chaplin al cine?

«El Vagabundo» (The tramp) fue sin duda el personaje más emblemático e influyente del «cine mudo» mundial, y en los años que van de 1895 a 1927, año de la llegada definitiva del sonido, ya dio los primeros pasos importantes en este sentido. ‘Tenía en su sonrisa las lágrimas del mundo, y en sus lágrimas hacía brillar las alegrías de la vida’, dicen todavía hoy de él algunos autorizados críticos de cine y de arte en general; Chaplin tenía el don de saber conmover y divertir, hacer llorar o reír intensamente… sabía llegar directamente al corazón.

Sus opiniones políticas excesivamente progresistas no fueron vistas con buenos ojos por la prensa británica, y mucho menos por los federales estadounidenses; tras el estreno mundial de «Limelight»(«Candilejas»), celebrado en Londres, Chaplin recibió un mensaje del Fiscal General de los Estados Unidos en el que se le cancelaba el permiso para poder volver a América, lo que le obligó a vivir en una especie de exilio en Suiza. Posteriormente fue «indultado» por el gobierno estadounidense, lo que le permitió volver después de veinte años.

Quién era Charlie Chaplin: Biografía

Charles Spencer Chaplin (El Vagabundo) nació en Londres el 16 de abril de 1889 y murió en Suiza el día de Navidad de 1977. Actor, director, cómico, guionista, compositor y cineasta, puede presumir de tener una colección de más de noventa películas de las que fue autor, habiendo participado también activamente en el rodaje de un buen número de ellas.

Fue la figura del «vagabundo» la que le dio la fama universal que conserva hasta el día de hoy, ese personaje sin domicilio fijo y sin poder encontrar nunca un trabajo regular que deambula por aquí y por allá, llevando una vida de pobreza al margen, pero de sentimiento y amor por los demás; su desencanto con las injusticias de la sociedad dio luz al tema candente de la alienación social de las clases más pobres, cada vez más marginadas en el contexto del desarrollo industrial de la época.

Las películas más destacadas de Chaplin

«El chico», la primera película muda que Charlie Chaplin produjo, dirigió y protagonizó en 1921, le consagró definitivamente como icono de la gran pantalla y, a partir de ese momento, todo lo que tocaba el Vagabundo se convertía en oro, cada una de sus producciones era un éxito; ‘Una mujer de París (1923)’, ‘La quimera del oro (1925)’, ‘El circo (1928)’ y, sobre todo, ‘Tiempos modernos (1936)’, marcaron las etapas más importantes de su éxito como cineasta en la primera mitad de su vida, a las que siguieron cuatro años de pausa y merecido descanso.

A partir de 1940, Chaplin produjo muchas otras películas de éxito que marcaron la historia del cine mudo y más allá; «El dictador» (1940), «Monsieur Verdoux» (1947), «Limelight» (1952), y «Un rey en Nueva York», representan otros pilares históricos de su carrera, películas que seguramente todo el mundo ha visto al menos una vez en su vida.

Características del cine de Chaplin

El arte del Vagabundo es sin duda una gran piedra angular de la cinematografía mundial, y muchos actores y directores, cada uno a su manera, han sabido con el tiempo valorarla y tomarla como referencia para sus producciones. La pureza y sencillez con la que supo retratar la sociedad de los años 30-40 y 50, resaltando (desde su punto de vista muy progresista y rebelde) el clasismo que la caracterizaba, fue realmente magnífico, y dejó su huella en todo tipo de espectadores.

La llegada al séptimo arte: Los inicios en la carrera de Charles Chaplin

El pequeño Charles debutó a la tierna edad de 7 años (1896) cuando, durante una actuación de su hermana Hannah en un teatro de variedades de Lambeth (un pequeño suburbio londinense), fue llamado para sustituirla porque ésta sufrió una repentina afonía que la obligó a abandonar la representación en mitad de la misma; Chaplin debutó cantando una canción popular de la época: ‘E Dunno Where ‘E Are’, que tuvo bastante éxito entre el público.

En 1900, tras trasladarse a Manchester con su familia, Charles Chaplin retomó sus estudios y también participó en algunas representaciones teatrales como la pantomima de «La Cenicienta», representada en el Hipódromo de Londres, en la que obtuvo un papel cómico interpretando el papel de un gato; a partir de aquí, una serie de vicisitudes marcaron su larga vida artística, convirtiéndole en un icono absoluto del cine de la época.

De donde era charles chaplin

Charles Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Londres, Inglaterra. Aunque su nombre completo era Charles Spencer Chaplin, el mundo lo conocería como Charlie Chaplin. Su origen humilde se reflejaría en gran parte de su obra cinematográfica, donde representaba a personajes desfavorecidos y marginados.

A pesar de haber nacido en Inglaterra, Chaplin pasó gran parte de su vida en diferentes países. A los 14 años, se unió a una compañía de teatro y comenzó a recorrer varias ciudades de Inglaterra y Estados Unidos. Esta experiencia le permitió desarrollar sus habilidades como actor y perfeccionar su estilo cómico.

En 1914, Charlie Chaplin se unió a la compañía cinematográfica Keystone Studios en Hollywood, California. Fue en este momento cuando comenzó a escribir, dirigir y protagonizar sus propias películas, convirtiéndose en uno de los primeros cineastas en tener control creativo total sobre su trabajo.

A lo largo de su carrera, Chaplin creó algunos de los personajes más icónicos del cine, como Charlot, un vagabundo de aspecto peculiar con bigote y sombrero de copa. Sus películas, principalmente mudas, se caracterizaban por su ingenio, su crítica social y su habilidad para combinar comedia y drama de una manera única.

Henry Gondorff y Johnny Hooker, dos estafadores decididos a cobrarse la muerte de un viejo y querido amigo, asesinado por el despiadado mafioso Doyle Lonnegan. Pero, para acabar con el, tendrán que diseñar el plan perfecto, el golpe perfecto.

El Golpe: La Película

Considerada por méritos propios, una de las películas clásicas más importantes, fue la ganadora de siete oscar´s en 1974. Dirigida por el director estadounidense George Roy Hill, y protagonizada por Paul Newman y Robert Redford. El elenco de actores que acompañaron a la pareja, es digno de mencionar. Dana Elcar, Robert Shaw, Charles Durning… entre otros.

Los protagonistas: Henry Gondorff y Johnny Hooker

El primero, Paul Newman, interpreta a un estafador ya experimentado. Con grandes golpes y estafas llevadas a cabo, vive «medio escondido», en compañía de su mujer. Ambos regentan una casa de mujeres de compañía.

El segundo, Robert Refford, el «tramposo» de «medio pelo» que hace pequeños robos y estafas junto a su compañero de fatigas, Luther Coleman. Sin quererlo y menos sin saber, estafan al correo de uno de los grandes mafiosos. Doyle Lonnegan. Un buen puñado de dólares con los que Luther decide retirarse y que, Hooker pierde en una noche.
Lonnegan, no permite que le roben. Luther, pagará las consecuencias y será asesinado por los matones.

La venganza de Jhonny Hooker

La muerte de Luther «provoca» la alianza de Gondorff y Hooker. Ambos, idearan el plan perfecto para desplumar al mafioso Lonnegan. Una magnífica interpretación de dos de los actores más importantes que ha tenido el cine hasta el momento.
Acompañados por un elenco de secundarios que hacen de la película una verdadera obra maestra. Un argumento simple llevado a la excelencia. Podría ser la típica película de mafiosos, timos o estafadores que podríamos ver cualquier fin de semana después de comer. Pero no, es un argumento sencillo elevado a la enésima potencia y convertido en clásico del cine.

El Golpe: Premios conseguidos

La Película «EL Golpe» consiguió llevarse siete estatuillas en la gala de los Oscar´s de 1974. Entre ellos, dos de los más importantes, el de mejor director y mejor película.  Asimismo, consiguió una nominación para los Globos de Oro.

 

 

Paul newman robert redford

Paul Newman y Robert Redford son dos actores icónicos de Hollywood que protagonizaron la exitosa película «El Golpe». Ambos actores son reconocidos por su talento y carisma en la pantalla grande.

Paul Newman fue un actor estadounidense que dejó una huella imborrable en la industria del cine. Su mirada intensa y su carisma lo convirtieron en uno de los actores más queridos de su generación. Además de su carrera como actor, Newman también fue un destacado empresario y filántropo, fundando la compañía de alimentos «Newman’s Own» y donando sus ganancias a organizaciones benéficas.

Robert Redford, por su parte, es otro actor estadounidense de renombre. Su elegancia y talento actoral lo han llevado a interpretar una amplia gama de personajes a lo largo de su carrera. Además de su éxito en la actuación, Redford también es conocido por su labor como director y productor, siendo ganador de un premio de la Academia por su película «Gente corriente».

La combinación de Paul Newman y Robert Redford en la película «El Golpe» fue simplemente perfecta. Su química en pantalla y su habilidad para interpretar a personajes carismáticos y astutos hicieron de esta película un clásico instantáneo. Ambos actores lograron capturar la esencia de la época en la que se desarrolla la historia, transportando al espectador a los años 30 con su actuación impecable.

En definitiva, Paul Newman y Robert Redford son dos nombres que quedarán grabados en la historia del cine. Su colaboración en la película «El Golpe» dejó una marca imborrable en la industria y su legado aún perdura en la memoria de los amantes del cine.